O Running Man de Kawajiri apresenta Zack Hugh, uma estrela das arenas de corrida – algo tão perigoso que se chama Circo da Morte – que conversa com um repórter investigativo sobre sua carreira e suas razões para correr tão rápido.

Order to Stop Constructiom de Katsuhiro Otomo é uma visão sarcástica sobre o caos inerente às intervenções públicas e a inflexibilidade da ética japonesa do ideal ‘trabalho pelo trabalho’. Um executivo é enviado para uma cidade situada no meio da selva, onde maquinas trabalham incessantemente. O governo para o qual o projeto era executado não está mais no poder e os novos encarregados não querem pagar o trabalho, que já está bastante atrasado. O executivo deve substituir o superintendente desaparecido e encerrar o projeto, porém as a máquinas, tentando ficar ocupadas e obcecadas com um saldo positivo de trabalho, têm outras idéias.

Os estilos das três histórias são bem diferentes. Running Man é a que mais se aproxima do estilo gótico que é a assinatura da Madhouse (embora o estúdio tenha variado bastante nos últimos anos), com sombreamento profundo, fortes contrates e distorções grotescas. Por trás da bravura da iluminação e edição singulares, o olhar de Kawajiti para os detalhes é muito forte, com planos de fundo cuidadosos mesmo nas cenas mais rápidas de ação e violência. Os efeitos ficam mais impressionantes quando se lembra de que foram atingidos por um trabalho manual, pelo trabalho com células convencionais de animação, nos tempos anteriores a era em que usar computadores é mais viável financeiramente do que encontrar bons profissionais.

A animação da história de Otomo é funcional e viva, com selvas de cores vibrantes e locais de trabalho banais que dão estrutura a dedicação insana e cintilante das máquinas. Comicamente selvagem, com um brilhante trabalho de desenvolvimento de personagens num curto espaço de tempo, é uma jóia muito bem lapidada do pai de Akira.

A sequência agregadora de Rintaro é de longe a mais fascinante em termos de design, apresentando um mundo sombrio com o qual Ray Bradbury e Stephen King se identificariam de imediato, com a garotinha com energia infinita arrastando seu gato gordo. As distorções surreais que vão se fechando em torno dela vão dilacerando as convenções de uma maneira perturbadora e ao mesmo tempo sedutora.

Para uma animação com quase 25 anos, esta antologia atinge qualquer tela como se tivesse sido produzida ontem, atingindo com energia e inventividade. Estes três curtas acumulam mais idéias, imaginação e brilhantismo visual do que qualquer outra coisa que seja produzida na atualidade.  O formato de ‘curta’ é sempre desafiador, mas nesta obra, três grandes diretores e suas equipes foram muito bem-sucedidos ao produzirem histórias completas e satisfatórias em menos tempo do que a maioria leva para organizar os pensamentos.

Avaliação: ★★★★★

Neo Tokyo nunca foi lançado oficialmente no Brasil.

Veja o trailer:

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Ficha Técnica

Título: Neo Tokyo
Título original: Manie-Manie Meikyu Monogatari
Direção: Katsuhiro Otomo / Rintaro / Yoshiaki Kawajiri
Roteiro: Taku Mayumura
Ano de produção: 1987
Estúdio: Madhouse
Música: Micky Yoshino
País: Japão
Gênero: Animação/ Suspense/ Aventura / Ficção Cientifica
Duração: 50 minutos

Avaliação: ★★★★★

Summer Wars será lançado em 2011 no Brasil em DVD pela Warner. Uma versão em mangá da obra tem sido lançada pela Editora JBC desde Janeiro de 2011.

Veja o trailer:

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Satoshi Kon

Satoshi Kon, um dos mestres da animação japonesa e autor de mangas que utilizavam visuais vertiginosos e composições inovadoras de ambientes e pessoas, com ressonância emocional que lhe garantiram um posto entre os gênios da animação, morreu em Tóquio nesta terça-feira. Ele tinha 46 anos.

A causa da morte foi um câncer pancreático, de acordo com o serviço de notícias japonês Tokyo Shimbun.  A notícia foi dada pela esposa de Kon, Kyoko e pela Madhouse Studios, em que Kon dirigiu vários trabalhos.

Kon era famoso por incorporar temas familiares em tramas complexas e sempre exaltar os personagens femininos. Robôs sensíveis, cidades futuristas e um fascínio ansioso pelo poder criativo e destrutivo da tecnologia – tudo isso ligado à tradição da literatura, arte e cinema levavam seus trabalhos além dos limites da cultura popular.

Satoshi Kon nasceu em Hokkaido, Japão em 12 de outubro de 1963. Pretendia estudar pintura na universidade, mas seu interesse logo se direcionou à ilustração e ele começou a desenhar mangás para a Young magazine. Lá ele conheceu Katsuhiro Otomo, criador de Akira.  Kon trabalhou como animador no filme Rojin Z (escrito por Otomo), e contribuiu no roteiro da antologia de ficção científica Memories em 1995. Em 1998 dirigiu deu primeiro longa chamado Perfect Blue.

Millenium Actress, Tokyo Godfathers e o espetacular Paprika se seguiram,  em adição à Paranóia Agent, uma série de TV interamente produzida por Kon. Estava terminando de produzir The Dream Machine, que ele mesmo descrevia como um road movie para robôs.

Superficialmente, disse ele, será uma aventura de fantasia para o público mais jovem, entretanto, os mais velhos poderão apreciar o filme com sob uma outra perspectiva.

Aqui no cubo3 lamentamos profundamente esta perda irreparável e esperamos que seu último trabalho seja lançado em breve para que todos possam se despedir do mestre Kon com a dignidade que os gênios merecem.

Conheça mais sobre os trabalhos de Satoshi Kon.

A primeira história, Magnetic Rose que em japonês se chama Her Memories, e dá nome à esta antologia, se passa no espaço, e pode ser considerada uma das coisas mais provocantes e belas na história da animação. Um grupo de operários recebe um estranho sinal de SOS na forma de uma ária.  Eles o seguem até orbitarem um rosa metálica gigante, o túmulo de uma renomada diva das óperas do século XX. É uma mistura de memorial e parque temático, com robôs e hologramas recriando os eventos mais marcantes de sua vida. Assim como no Solaris de Tarkovsky, este ambiente também tende a levar os visitantes para um infinito passeio no passado. Para o homem do espaço Hans Beckner, que é atormentado pela morte da filha na Terra, tudo é bastante tentador.

Kōji Morimoto (que dirigiu Beyond de Animatrix)  se baseou em obras como 2001: Uma odisséia no espaço e Aliens para produzir o embate entre um ambiente duro como o interior de uma nave com todos os seus hardwares, a magnitude operacional da tumba, e as lembranças de casa de Hans. A música é um dos pontos altos do filme, incluindo maravilhosos trechos de óperas de Puccini e o engenhoso trabalho de Yoko Kanno.

Stink Bomb mostra um ângulo muito estranho da corrida armamentista, tão extremo que todo mundo morre de uma só vez. Um funcionário novato de um grande laboratório tomo algumas pílulas que estão na mesa de seu chefe para ajudar em uma terrível gripe, sem saber que está ingerindo uma poderosa arma biológica que deixa o odor da pessoa letal. Encarregado de levar as pílulas restantes para Tóquio, ele causa mais destruição que um Godzilla, e ficaóbvio para todos que ele precisa ser morto para salvar o Japão. Tensai Okamura (Wolf’s Rain) dirigiu este curta como se estivese fazendo um versão insana em anime de Dr. Fantástico de Stanley Kubrik. Com um design pra lá de cômico traz também uma inusitada trilha sonora que se contrapõe ao cinismo obscuro da história.

Katsuhiro Otomo dirigiu Cannon Fodder, e como este era seu primeio trabalho autoral desde Akira, ele procurou inovar; planejou a obra como uma única sequência, porém, seu ambicioso plano não deu certo porque o que começou tendo cinco minutos  de duração terminou com três vezes este tempo. Ele também experimentou vários recursos digitais e efeitos visuais. E como já comum com Otomo, a animação é muito boa, mas o que ganha os corações é o roteiro. Ele nos leva à uma cidadezinha desolada e monótona que tem como único propósito dar segmento à uma guerra aparentemente sem sentido com um inimigo distante e anônimo. Todas as casas possuem seu próprio canhão, e para todos os lados existem pôsteres de propaganda pró-guerra e todos são extremamente devotos à esta causa. A narrativa mostra um dia na vida de uma família: o pai vai trabalhar, carregando e recarregando canhões, a mãe trabalha numa fabrica de projéteis, e o filho vai para a escola para aprender sobre canhões e mísseis enquanto sonha com soldados animados. É um comentário condenatório sobre a futilidade das guerras, a de vida que transforma as pessoas em meros agentes de um distante e intangível ideal.

Memories de Katsuhiro Otomo foi lançado no Brasil diretamente em DVD pela Sony Pictures.

Veja o trailer:

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Ficha Técnica

Título: Memories de Katsuhiro Otomo
Título original: Otomo Katsuhiro’s Memories
Direção: Kōji Morimoto / Tensai Okamura / Katsuhiro Otomo
Roteiro: Katsuhiro Otomo
Ano de produção: 1995
Estúdio: Madhouse
Música: Takuya Ishino / Yoko Kanno / Jun Miyake / Hirouiuki Nagashima
País: Japão
Gênero: Animação/ Suspense/ Romance / Drama
Duração: 115 minutos

Perfect Blue é o trabalho de estréia de Satoshi Kon, é inteligente, direto e muito envolvente. Baseado no romance de Yoshikazu Takeuchi, mostra as influencias de Kon com muita graça e orgulho. Kon é um cinéfilo que compreende o meio termo entre os dois lados da tela ao referenciar Um corpo que cai de Hitchcock, Suspiria de Dario Argento, The Accused de Jonathan Kaplan e escritores como Philip K. Dick. O filme foi originalmente pensado para ser um filme com atores reais, mas teve sua verba cortada quando um terremoto em Kobe em 1995 destruiu o estúdio em que seria rodado. Entrou em cena a mágica da animação. E Kon trata o filme exatamente como se fosse um filme rodado em película, mimetizando truques e efeitos de câmera, e criando uma bela cinematografia que anima Tóquio com muito cuidado.

O inteligente roteiro é levado ao extremo, quando o diretor embaralha todas as linhas entre a fantasia e realidade (especialidade de Satoshi Kon), cortando todas as transições de música e imagem seriam normalmente sinais de mudança na narrativa. O espectador é deixado na incerteza, assim como os personagens, com nada além da percepção para prosseguir, nunca muito certo do que é real e do que não é.

Perfect Blue brinca com as mais íntimas idéias de identidade – de quem somos, de quem queremos que o mundo pense que somos, e do que temos medo de nos tornarmos. Também retrata o medo de se envelhecer em certas profissões. Para todos os efeitos, não é a nudez, nem a simulação de uma sequencia de estupro ou a violência que faz deste um  filme adulto. É sua inteligência sutil, artística, a dedicação de toda uma equipe, a partir de seu diretor, que faz desta uma grande obra. Satoshi Kon conseguiu trazer respeito a um gênero que poderia muito bem cair no tom repetitivo da pornografia e do suspense.

Perfect Blue nunca foi lançado no Brasil.

Veja o trailer:

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Ficha Técnica

Título: Perfect Blue
Título original: (パーフェクトブルー Pāfekuto Burū)
Direção: Satoshi Kon
Ano de produção: 1997
Estúdio: Illumination Entertainment / Rex Entertainment
Música: Masahiro Ikumi
País: Japão
Gênero: Animação/ Suspense/ Fantasia
Duração: 80 minutos

Millennnium Actress é um trabalho de Satoshi Kon que bem descreve sua capacidade de escrever entre as linhas. Para seus personagens as divisões entre passado e presente, realidade e fantasia, sonho e pesadelo, são sempre extremamente flexíveis e muitas vezes densos como vapor. Vemos seu interesse em mostrar como e porque alguns filmes se tornam parte de nossas vidas, o que há por trás desta mistura de imagem, som e sonho que se entrelaça tão fortemente na consciência humana.

No processo de Chiyoko contar sua historia para Genya e seu jovem cameraman, ela também lava a todos por uma viagem guiada pela cultura do cinema no período pós-guerra do Japão, e mostra como uma nação reinventou sua história  e a si mesma. Ao ouvir o relato, a dupla se vê enredada no passado da atriz, sendo parte da multidão ou figurantes em seus filmes ou em cenas de suas memórias, até Tachibana (o incorrigível fanboy) aproveitar a oportunidade e atravessar a barreira que divide o filme no projetor da cabeça do espectador. Ele encarna o papel de guardião e protetor da atriz em cenas de batalhas medievais, em seus dramas e também em suas memórias. Então, volta a realidade, e está na sala de estar da entrevistada, envergonhado e cheio de um prazer infantil por ter dividido um momento com sua diva.

Satoshi Kon é também um mestre em manipular fantasmas. O primeiro amor de Chiyoko, um homem que entrou em sua vida como um herói de drama de novela e desapareceu da mesma maneira singular, preencheu o horizonte emocional de toda sua vida.  A devoção de Genya por sua adorada atriz é a mesma forma de amor. Ambos encontraram fama e fortuna, mas foram fadados a buscar algo que estava além de seu alcance, e apesar de a vida que levaram ser um emaranhado tão grande de fantasia e realidade que nem eles, e nem nós, os espectadores, conseguimos separar um do outro, encontramos a felicidade de ambos, não numa explicação lógica, e sim racional. E isto basta.

O estilo de animação utilizado por Kon é deliberadamente antiquado, com quadros estáticos e sequências com nada além de bocas se movendo. Já há muita complexidade na história por si só. Simples, as vezes com linhas quase cruas e cores que ecoam a realidade combinam com belos e trabalhados cenários criando uma elegante e complexa meditação sobre o poder dos sonhos e das imagens, a necessidade de inventá-las, e o impacto transformador de se encontrar a estrela que guiará sua vida.

Millennium Actress nunca foi lançado no Brasil.

Veja o trailer:

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Ficha Técnica

Título: Millennium Actress
Título original: Millennium Actress (千年女優 Sennen Joyū)
Direção: Satoshi Kon
Ano de produção: 2001
Estúdio: Genco/Madhouse
Música: Susumu Hirasawa
País: Japão
Gênero: Animação/Drama/Fantasia
Duração: 87 minutos

Mind Game (マインド・ゲーム)  é um caleidoscópio de estilos e cores, do mais realista ao cartunesco, alucinógeno ao pastel, infantil e adulto, tudo se mistura numa intensidade que mantém o filme em constate mudança e vibração, desafiando quem assiste. Cada virada na longa sequência de perseguição, faz com que tudo pareça com e sem sentido ao mesmo tempo, quase como a aventura de Alice na toca do coelho. A energia com que Nishi se agarra à sua segunda chance de viver, inunda a tela de cores e alegria, nos mostrando as infinitas possibilidades que o mundo pode nos dar se nos abraçarmos a vida em vez de nos escondermos dela. Mesmo as cenas de romance e nudez possuem um caráter quase onírico, assim como a celebração extrema e absurda de um momento de prazer.

Confira o trailer alucinado de Mind Game:

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Ficha Técnica

Título: Mind Game (マインド・ゲーム)
Direção: Masaaki Yuasa
Estúdio: Asmik Ace Entertainment/Madhouse/Studio 4C
Ano de Lançamento: 2004
País: Japão
Duração: 103 min

O grande mago é na verdade, um jovem e equivocado rapaz, refém de seu próprio mito, atormentado por um passado obscuro, e inseguro sobre seus talentos. Sophie, mais do que apaixonada por ele, e apegada à sua nova e nada ortodoxa família, decide salvar a todos.

Miyazaki usou o romance de Diana Wynne Jones como base para O Castelo Animado,  sua obra seguinte ao ganhador do Oscar A Viagem de Chihiro, porém adicionou suas tramas características – a relação do homem com a natureza, a futilidade da guerra, e o prazer de voar. O naturalismo de mundo é mostrado com a beleza de sempre, com alguns cenários extasiantes com montanhas e lagos. Mas a grande criação deste filme é o castelo propriamente dito, uma mistura da cabana da Baba Yaga, com um pouco de Heath Robinson e híbrido como Castelo Voador de Terry Gilliam. Inteiramente animado por computador, o castelo se adéqua perfeitamente às cenas feita em animação tradicional, deixando a história ainda mais mágica.

O Castelo Animado foi indicado ao Oscar e ganhou um caminhão de prêmios ao redor do mundo.

Foi lançado no Brasil em 2005.

Confira o trailer.

Ficha Técnica

Título: O Castelo Animado
Título original: Howl’s Moving Castle/Hauru No Ugoku Shiro/ハウルの動く城
Direção/Roteiro: Hayao Miyazaki
Produção: Studio Ghibli, Gonzo, T2, I.G., Madhouse
Ano de lançamento: 2004
Gênero: Animação/Anime/Fantasia
País: Japão

O enteado de Red, Rock, que também caça Laughton, assim como as classes mais baixas da cidade estão a beira da revolta. Dois estranhos numa terra estranha, Ban e Kenichi enfrentam terríveis forças quando uma inocente garota-robô descobre o quão longe seus criadores irão em busca de poder.

Baseado no quadrinho de 1949 de Osamu Tezuka – que já era considerado um grande nome dos quadrinhos japoneses antes dos 20anos – Metropolis foi inspirado num artigo sobre o clássico de Fritz Lang com a imagem de uma garota-robô chamada Maria (na animação ela se chama Tima).

O filme só foi produzido doze anos depois da morte da Tezuka. A Tezuka Productions e a Madhouse – que é conhecida por suas produções cyber-noir – reuniram uma equipe incrível (Rintaro na direção e Katsuhiro Otomo no roteiro) para criar um universo absolutamente soberbo. Os personagens ganharam vida com ajuda da computação gráfica. Os planos de fundo e cenários chegam a tirar o fôlego dos mais entusiastas. A edição é um show a parte e a trilha sonora mescla um jazz refinado com um blues descolado.

Mas a grande surpresa de Metropolis é sua temática; sobre o que se trata ser humano, quanto poder é dados as máquinas e como controlamos isto, a corrupção e desonestidade dos meios oficiais, o abuso de poder, a miséria urbana e seus efeitos na sociedade, a ‘demonização’ de tudo o que é diferente, a força do terrorismo e a dualidade da tecnologia, as gangues…..etc, etc. Todos estes temas são tão relevantes hoje como em 1949.

A violência é em sua maioria não-explícita, porém não menos perturbadora. Se há uma pequena lista de filmes no mundo que mereceriam nota máxima em todos os aspectos, Metropolis é um deles. Simplesmente irretocável

Metropolis foi lançado no Brasil direto em DVD em 2002.

Veja o trailer americano do filme:

Ficha Técnica

Título: Metropolis
Tulo Original: Metoroporisu
País: Japão
Ano de Lançamento:2001
Títulos Alternativos: Metropolis / Osamu Tezuka’s Metoroporisu / Osamu Tezuka’s Metropolis / Osamu Tezuka’s Metropolis / Robotic Angel
Gênero: Ficção/Animação
Diretor: Rintaro
Roteiro: Katsuhiro Otomo
Duração: 108 min.
Tipo: Colorido
Distribuidora(s): Columbia Pictures
Produtora(s): Bandai Visual Co., DENTSU Music And Entertainment Inc., Destination Films, Imagica Corp., Kadokawa Shoten Publishing Co. Ltd., King Record Co., Mad House Ltd., Madhouse Productions, Metropolis Project, Sony Pictures Television, Studio 4°C, Tezuka Production Company Ltd.,Toho Company

Em Tóquio, na noite de Natal, três moradores de rua reviram o lixo procurando presentes uns para os outros, quando encontram um bebê. Há também um bilhete pedindo para quem a encontrasse (é uma menina) que cuidasse bem dela, e uma bolsa com fotos e um cartão de um clube noturno. Gin, um alcoólatra de meia idade, Hana, um travesti  afetadíssimo e a adolescente fugitiva Miyuki pensam na possibilidade de ficar com a menina e, e completar a “família”,mas partem em busca dos pais verdadeiros para que a criança tenha um lar decente e uma família real.

Se aventurando pelo lado underground de Tóquio, becos de gangues, bares de travestis, cemitérios desertos, restaurantes comunitários, guetos de imigrantes, o estranho trio atinge não apenas um, mas uma série de milagres de Natal, como a neve, o mais raro presente em Tóquio, capaz de transformar a cidade num conto de fadas.

Satoshi Kon buscou inspiração, e parte do titulo, no western de John Ford chamado Three Godfathers, no qual três grosseirões e conhecidos foras-da-lei se vêm as voltas com um bebê. O filme també lembra Rashomon, no qual Akira Kurosawa mostra idosos discutindo sobre o destino de uma criança encontrada numa noite chuvosa, mas na verdade, trata se de um cartão de Natal para Tóquio, uma expressão de boa vontade e uma lembrança de que devemos espalhar gentileza em um mundo cheio de frieza e intolerância. É também uma carta de amor. Assim como seu mentor, Katsuhiro Otomo, Kon foi do Norte do Japão para Tóquio para construir sua carreira e com certeza se submeteu aos encantos  da cidade grande, porém enquanto Otomo transformava as luzes de neon e as duras estradas em material para a fantasia sublime de Akira, Kon se alimentou da realidade suburbana das minorias e as açucarou com neve numa obra que mistura comédia, drama, suspense e ação.

Existem, é claro, inúmeras referências ao Natal. Os japoneses não vêem o Natal como festa religiosa, mas parecem adorar a atmosfera e sentimentalismo que envolve a data. Os números 12 e 25 aparecem por toda a parte, em placas de trânsito, taxímetros, bilhetes de loteria e números de telefone. O tema final é um riff do Hino à Alegria de Beethoven.

Há uma fada madrinha, um anjo e um Papai Noel.  Mas Kon nos lembra todo o tempo que não existe reino da fantasia e sim uma cidade real do século 21 cheia de problemas que nenhuma arma ou robô pode resolver- bairros pobres, mendigos perdidos nos cemitérios, adolescentes delinqüentes espancando idosos e imigrantes ilegais vivendo do mercado negro.

Mas acima de tudo isso,está um final feliz, sem o qual nenhum filme de Natal poderia ser um filme de Natal. Ele não vem de nenhuma centelha mágica, mas dos pequenos milagres que acontecem todos os dias nas vidas de todas as pessoas. Um pouco de redenção nas falhas de todos nós.

Tokyo Godfathers foi lançado no Brasil direto em DVD pela Sony Pictures em 2004.

Confira abaixo o trailer americano da animação:

Ficha Técnica

Tokyo Godfathers
Título original: Tokyo Godfathers
Ano de produção: 2003
Estúdio: Madhouse
País: Japão
Gênero: Animação
Duração: 91 minutos
Doreção: Satoshi Kon