O logotipo da empresa, presente na abertura de todos os seus filmes, evoca o primeiro sucesso de John Lasseter, chefe criativo da Pixar. As divertidas e sensíveis luminárias de Luxo Jr. jogaram luz a possibilidade de associar a computação gráfica a valores emocionais que, nos anos 1980, ainda pareciam ser um privilégio da animação tradicional. Desde então, brinquedos ciumentos, insetos desajustados, monstrinhos e pânico, peixes travessos, carros falantes, super famílias e outros incríveis personagens têm saltado dos HDs de Lasseter e companhia.

Lasseter, um ex-animador da Disney e da Lucasfilm, esteve no centro de toda a história da Pixar, desde sua criação, em 1984, pelo pai da Apple, Steve Jobs. Cada produção do estúdio é um novo desafio aos limites da animação 3D, no que se refere ao apuro de texturas e construção de personalidades palpáveis a partir de bits e pixels.  A Pixar desenvolveu um sistema de softwares exclusivos – como o Marionette, o Ringmaster e o RenderMan – que permite que as equipes obtenham resultados de ponta com grande economia de tempo.

Através de uma acordo filmado com a Disney em 1991, John Lassester dirigiu o pirmeiro longa-metragem a ser lançado inteiramente em animação computadorizada, o revolucionário Toy Story. Outros longas de enorme repercussão se seguiram, tornando a Pixar uma marca cada vez mais conhecida e respeitada.

Todos os principais filmes da Pixar produzidos até hoje foram feitos em colaboração com a Walt Disney Pictures; a Pixar cuida de todos os aspectos de produção enquanto a Disney cuida de todos os aspectos da distribuição. Em 1995, depois do lançamento de Toy Story, ambas as companhias assinaram um contrato de 10 anos ou 5 filmes na qual as duas companhias dividem os custos de produção e lucros — com a Disney recebendo 12.5% dos dividendos e os direitos dos filmes. O acordo foi muito lucrativo para ambas as empresas, já que os filmes da Pixar tem sido muito mais bem sucedidos que os filmes de animação da própria Disney. Os nove filmes de longa-metragem da Pixar arrecadaram mais de $ 4 bilhões, fazendo dela, filme a filme, a mais bem sucedida casa de filmes de todos os tempos. Contudo, o CEO da Disney, Michael Eisner, e Jobs não se entenderam. Por causa de discordâncias pessoais e profissionais, o filme Carros ficou determinado como o último da união das duas empresas.

As duas companhias tentaram um novo entendimento no começo de 2004. Para o novo acordo, a Pixar apenas queria pagar à Disney uma taxa de distribuição sem divisão de lucros ou direito de propriedade. Isso era inaceitável para a Disney, mas a Pixar recusou quaisquer concessões. A Pixar saiu em busca de uma nova empresa para distribuir seus filmes, e muitas outras firmas ficaram ávidas por um acerto. A Disney retém os direitos dos primeiros filmes e poderia fazer seqüências para eles, tanto que iniciou a produção de Toy Story 3, sem o envolvimento da Pixar. Porém, em Janeiro de 2006 as duas empresas finalmente chegaram a um acordo e a Disney comprou a Pixar (por US$ 7,4 bilhões). Stev Jobs tornou-se, assim, o maior acionista individual da Disney. Mas um detalhe que ainda há, é que a Pixar possui hoja a maior parte das ações entre a aliança Disney & Pixar.

A Pixar pode ser considerada assim, a maior empresa de animação da atualidade. Título que se deve aos competentes executivos, mas principalmente à qualidade inegável de suas produções.

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Longas

• 1995 – Toy Story
• 1998 – Vida de Inseto
• 1999 – Toy Story 2
• 2001 – Monstros, SA.
• 2003 – Procurando Nemo
• 2004 – Os Incríveis
• 2006 – Carros
• 2007 – Ratatouille
• 2008 – Wall-E
• 2009 – Up – Altas Aventuras
• 2010 – Toy Story 3
• 2011 - Carros 2
• 2012 – Valente

Curtas-metragens

• 1984 – The Adventures of André & Wally B.
• 1986 - Luxo Jr.
• 1987 – Red’s Dream
• 1988 – Tin Toy
• 1989 – Knick Knack
• 1997 – Geri’s Game
• 2000 – For the Birds
• 2002 – Mike’s New Car
• 2004 – Boundin’
• 2005 – Jack-Jack Attack
• 2005 – One Man Band
• 2006 – Mater and the Ghostlight
• 2006 – Lifted
• 2007 – Your Friend the Rat
• 2008 – Presto
• 2008 – BURN-E
• 2009 – Parcialmente Nublado
• 2009 – Dug’s Special Mission
• 2010 – Day and Night
• 2011 – Toy Story Toons: Hawaiian Vacation
• 2011 – Toy Story Toons: Small Fry

Ao todo, a exposição reúne 45 pinturas e 11 esculturas do período chamado neometafísico, entre os anos 1960 e 1970, além de 66 litografias realizadas para os “Calligrammi di Guillaume Apollinaire” (1930), apresentadas aqui pela primeira vez juntas – todas cedidas exclusivamente pela Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, na Itália.

Nascido em Volos, na Grécia, Giorgio De Chirico (1888 -1978) foi antecessor de algumas das mais importantes temáticas do pensamento artístico moderno e contemporâneo. Pintor, escritor e crítico, promoveu, junto a Alberto Savinio, Carlo Carrà e Giorgio Morandi, a pintura metafísica, que retoma a expressão da filosofia grega “para além das coisas físicas”. Criada por De Chirico, a corrente não buscava novas formas, como as tendências de vanguarda do século XX, mas novos significados. Em suas composições, a linguagem, o uso da luz e da perspectiva eram trabalhados de modo tradicional – mas a atmosfera, o silêncio e o mistério causavam certo mal-estar.

A arte metafísica influenciou o grupo dos surrealistas, que De Chirico chegou a integrar por um breve período. Os surrealistas viram nele uma espécie de “pai” do movimento, embora tenham rejeitado sua obra produzida após 1919. Foi a partir deste ano que o artista empreendeu um retorno ao classicismo, passando, em seguida, por fases de inspiração naturalista e barroca, sempre conseguindo manter um caráter visionário e único na história da arte. A neometafísica foi a última aventura artística de De Chirico, em um movimento caracterizado pela exultação através do uso da cor e pelo caráter poético do tratamento dado aos protagonistas, bem como pelo especial e inovador uso do espaço como palco da relação entre o homem moderno e o seu mundo. Nos trabalhos deste período, são típicas as figuras dos arqueólogos e dos manequins.

Neste ponto, há um encontro evidente entre sua obra e a de Iberê Camargo, de quem De Chirico foi professor e mestre, tendo dado aulas ao jovem artista brasileiro em Roma, entre 1948 e 1949. “Iberê sempre relatava esse período, que foi muito forte para ele. Foi um momento de absorção de modelos”, destaca Mônica Zielinsky, coordenadora do projeto de catalogação da obra de Iberê Camargo. Embora ele negasse uma aproximação temática com de Chirico, Mônica acredita que haja semelhanças. “Com André Lhote [com quem estudou na França], Iberê aprendeu a composição, a alternar claros e escuros, e com de Chirico tomou um pouco da alma, da solidão, e uma certa densidade da pintura”, defende. Já o filósofo, sociólogo e crítico de arte francês Jacques Leenhardt, responsável pela curadoria da exposição Os meandros da memória, com obras do Acervo da Fundação Iberê Camargo, a afinidade dos dois se encontrava na expressão do mistério que envolvia as coisas. Além disso, os já citados manequins, e até mesmo os carretéis, foram figuras emblemáticas presentes na obra de ambos, ainda que de maneira diversa.

Segundo a curadora da exposição, nas obras de De Chirico “o imaginário urbano e a cidade encarnam a dimensão interior e psicológica do homem moderno”. O artista foi uma espécie de “cidadão do mundo”: além de Volos, viveu em Mônaco, Paris, Ferrara, Roma e Nova York, e viajou por diversos outro locais. A experiência de universos culturais diversos moldou sua arte, na qual as cidades aparecem como reinterpretações simbólicas de arquiteturas específicas. É o caso de locais como a igreja de Santa Maria Novella, em Florença, a Mole Antonelliana de Turim, e a Gare Montparnasse de Paris, que, segundo Maddalena, “vêm acopladas como fragmentos em uma única composição tornada harmônica pela luz, tonalidade e matéria pictórica”.

Por isso, a proposta curatorial da exposição que vem ao Brasil é justamente a de examinar sua propensão à arquitetura, tomando como campo de pesquisa a cidade e seus cenários, amplamente representados em suas obras. O objetivo é oferecer ao visitante uma leitura do espaço urbano “dechirichiano” e mostrar como o artista estabelece a relação entre a figura e o espaço arquitetônico.

Com o apoio da Fondazione Giorgio e Isa de Chirico e integrada às comemorações do “Momento Itália/Brasil 2011-2012”, a exposição itinerante inicia pela Fundação Iberê Camargo, onde permanece de 9 dezembro de 2011 a 4 de março de 2012, segue para a Casa Fiat de Cultura, de 20 de março de 2012 a 17 de junho de 2012, e se encerra no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP, de 29 de junho de 2012 a 20 de setembro de 2012.

Veja abaixo, algumas obras presentes na exposição.

Leia abaixo a trancrição/tradução do bilhete.

Diego, meu amor,

Lembre-se que quando terminar o mural vamos ficar juntos para sempre, sem discussões nem nada, apenas para nos amarmos muito. Comporte-se e faça tudo o que  Emmy Lou lhe disser.

Te adoro mais do que nunca. Sua garota, Frida.

(Escreva-me)

A história segue desde a apresentação da família de Gen com sua mãe lutando para controlar o racionamento famíliar nos tempos de guerra, até o início das reconstruções das vidas deavastadas pela queda da bomba. Os quatro volumes da obra (compilação ocidental dos dez volumes originais) constroem muito bem todos os personagens de modo que o leitor possa criar empatia e se emocionar com seus destinos.

O traço de Nakazawa é simples e mostra de uma maneira direta tudo o que se quer mostrar, assim como o mundo real, assim como as pessoas reais. A história não demoniza nada nem ninguém.  Em vez disso, se concentra em apresentar o cotidiano de uma cidade durante a Segunda Guerra Mundial, explorando o estilo de vida japonês, e logo no início, dando ao leitor um referência da vida domestica das perspectivas de mundo do ponto de vista de uma criança. Estes pequenos e tocantes detalhes continuam a aparecer mesmo depois da queda da bomba, mesmo depois que somos chocados por tanta morte e destruição, mesmo depois de conhecermos personagens tão frios quanto a morte iminente que os aguarda. Gen, Pés Descalços é inabalável, mas em última análise é mais poderoso por seus raros momentos de humor é até bem comum como um relato de um dos maiores (e piores) eventos do século 20.

É estranho pensar que um sobrevivente de Hiroshima possa contar esta história de uma maneira alegre, mas dada a filtragem do olhar de uma criança de sete anaos, que nem sempre compreende tudo o que testemunha, este contentamento triunfa. Nakazawa faz uso do otimismo infantil (ou fé cega) em todas as situações, possibilitando que se foque nos detalhes, nas pequenas vitórias dos sobrevientes nos terríveis tempos pós-bomba. Mesmo que certos triunfos sejam passageiros e predecessores de momentos ainda mais difíceis.

Gen, Pés Descalços lamenta os mortos, mas também celebra a vida através dos traços simples e delicados de Nakazawa e esperança indestrutível de seu protagonista.  Muito drama e muitos detalhes seriam um excesso. O estilo quase cartunesco dá um frescor ao assunto pesado e emocional e poupa a todos (mas sem ser menos emotivo) de detalhes que, francamente, são desnecesséarios pra mostrar o ponto crucial da atrocidade bélica.

Avaliação: ★★★★★

Gen, Pés Descalços foi publicado pela primeira vez no japão em 1973. Em 1983 e 1986 ganhou adaptações animadas e em 2007 uma adaptação live action. No Brasil foi publicado pela primeira vez entre 2000 e 2001 pela editora Conrad, que desde o início de 2011 vem republicando os volumes da obra.

"Solitário Inconformado" - Leonilson (1989)

A exposição “Solitário inconformado” e outras gravuras de Leonilson exibe, pela primeira vez, um conjunto de gravuras do artista José Leonilson, um dos principais nomes da arte contemporânea brasileira.
A mostra reúne cerca de 20 obras, algumas inéditas, realizadas em diversas técnicas de gravação. Exibe, também, matrizes e esboços, revelando aspectos de seu processo criativo.
Juntamente com a mostra ocorre o lançamento da gravura Solitário inconformado. Serigrafia realizada a partir de desenho original de Leonilson, já impresso pelo artista, em 1989, em camiseta. Esta tiragem especial post mortem de 250 exemplares, terá sua renda revertida ao Projeto Leonilson, instituição que pesquisa, preserva, cataloga e divulga obra e vida do artista.
O lançamento da gravura e a abertura da exposição acontecerão no próximo dia 03 de dezembro, na Galeria Logo, das 11:00 as 19:00 hs. A mostra ficará em cartaz até dia 28 de janeiro de 2012.

A Galeria Logo localiza-se na Rua Arthur de Azevedo, 401 – Pinheiros, São Paulo, SP.

Intitulado Leonardo, o longa está sendo escrito por Jonny Kurzman, conhecido por trablhaos para a televisão, em especial em programas infantis. A produção será de Larry Gordon (Watchmen – O Filme).

O filme ainda não possui data para chegar às salas de cinema. Também não há definição sobre quem será o intérprete de Da Vinci.

A juventude do pintor da Mona Lisa também será objeto de uma minissérie. A rede britânica BBC está trabalhando no desenvolvimento de Da Vinci’s Demons, que trará Leonardo Da Vinci aos 25 anos.

A mostra abriga, nos três andares expositivos do Itaú Cultural, aproximadamente 150 obras – entre pinturas, fotografias, instalações e vídeos – de 81 artistas. Os trabalhos foram escolhidos e organizados por cinco curadores – Fernando Cocchiarale, Lauro Cavalcanti, Moacir dos Anjos, Paulo Herkenhoff e Tadeu Chiarelli – que foram selecionados após uma pesquisa realizada pelo Centro de Documentação e Referência do Itaú Cultural, que levantou os dez nomes que mais participaram de exposições na última década. Desses, cinco foram convidados para realizar Caos e Efeito.

Fernando Cocchiarale – em cocuradoria de Pedro França – demonstra em seu recorte curatorial a crítica embutida nos processos de concepção, produção da obra e sua inserção no sistema artístico. O curador Lauro Cavalcanti e o cocurador Felipe Scovino optaram por contextualizar, historicamente, a construção de uma linguagem artística brasileira, cosmopolita e internacional.

Moacir dos Anjos, em parceria com a cocuradora Kiki Mazzucchelli, selecionou obras que enfatizam o cotidiano, rompendo hierarquias entre o terreno da produção artística e o âmbito em que se desenrola a vida comum. A tênue linha entre o documental e o ficcional é o fio condutor da curadoria de Tadeu Chiarelli, com assistência curatorial de Luiza Proença e Roberto Winter.

Por último, Paulo Herkenhoff e os cocuradores Cayo Honorato, Clarissa Diniz e Orlando Maneschy propõem um estado de “não pureza conceitual”, na qual se pode apontar nos trabalhos apresentados algumas perspectivas em comum, como a “libido intratável”, a ”deposição do sujeito como lugar de poder” e a “violentação política da violência”.

 Serviço

Exposição Caos e Efeito
domingo 23 de outubro a sexta 23 de dezembro de 2011
terça a sexta 9h às 20h
sábado domingo feriado 11h às 20h
pisos 1, -1 e -2
[pisos 1 e -1: indicado para todas as idades, piso -2: indicado para maiores de 18 anos]

Cavalo de Tróia
Fernando Cocchiarale com Pedro França

Eu Como Eu
Lauro Cavalcanti com Felipe Scovino

As ruas e as bobagens
Moacir dos Anjos com Kiki Mazzucchelli

Contra-pensamento Selvagem
Paulo Herkenhoff com Cayo Honorato, Clarissa Diniz e Orlando Maneschy

Projetar o passado; recuperar o futuro
Tadeu Chiarelli com Luiza Proença e Roberto Winter 

Performances
domingo 23 de outubro

Que corpo é esse
com Mariana Marcassa
às 12h
piso -2
[indicado para maiores de 18 anos]

Democracia Chupando Melancia
com Daniel Santiago
às 12h35
piso térreo
[indicado para todas as idades]

Grupo Solange, tô aberta!
Convidado – Paulo Belzebitchy
às 18h
Sala Vermelha
[indicado para maiores de 18 anos]

Falas de Artista
domingo 23 de outubro
a partir das 13h
arena 

Oriana Duarte
Usei Meu Corpo

Yuri Firmeza, Jonnata Doll e Miguel Bezerra
Investidores, Correntistas e Artistas

Wolder Wallace
Até Onde Vai Meu Medo

Lourival Cuquinha
Chuva de Prata

Armando Queiroz
Rebotalho

Solon Ribeiro
Sem Título

Jayme Fygura
Sem Título

entrada franca

E é justamente esta última frase que dá título a um livro divertido, colorido e repleto de imagens e figuras da arte de Keith Haring. Nele, crianças de diversas idades fazem comentários e dão depoimentos sobre as obras do artista. O livro, publicado no Brasil em 2010 pela CosacNaify, está na lista dos 30 melhores livros infantis daquele ano da Revista Crescer.

As obras no livro foram organizadas por temas – símbolos, histórias, emoções, trabalho em grupo, imaginação e diversão. Nelas, as crianças, que não são identificadas, comentam o que veem, sentem, acham e entendem do trabalho de Haring.  Afinal, o próprio artista, quando perguntado sobre o que determinada figura significava, sempre fazia questão de frisar que a pessoa é quem decidia: “Eu só faço o desenho”.

A edição brasileira traz ainda um texto do jornalista Mario Cesar Carvalho sobre o artista e a relação deste com o Brasil, país em que esteve pela primeira vez em 1982, para participar da Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Depois daquela ocasião, Haring fez mais quatro viagens ao Brasil, todas com destino Ilheus, na Bahia.

Nascido numa pequena cidade no estado da Pensilvânia, nos Estados Unidos, Haring já mostrava, desde criança, aptidões artísticas, criando histórias em quadrinhos. Estudou Comunicação Visual na Pensilvânia e partiu em seguida para Nova York, onde pretendia fazer sua própria arte. Estudou, se especializou, mas queria mais. Queria levar sua arte ao alcance de todos.

Assim começou a desenhar, com giz, figuras simples e expressivas nas paredes do metrô em Nova York, atraindo a atenção e a curiosidade das pessoas. Aos poucos foi conquistando a cidade e o mundo e seus desenhos passaram a estampar cartazes, botons e camisetas. Promoveu a arte do grafite à mão livre e a levou para as galerias de arte.

Haring tinha um ótimo relacionamento com as crianças e gostava muito de desenhar para elas. Foi numa dessas ocasiões que fez para Nina Clemente, filha do pintor italiano Francesco Clemente, que era seu amigo, O livro da Nina para guardar pequenas coisas. Feito todo artesanalmente, o livro, exemplar único, serviu para presentear a menina em seu sétimo aniversário.

A obra foi publicada nos Estados Unidos, em edição fac-similar, em 1994, depois da morte do artista, e no Brasil em 2010. O livro estimula a imaginação e serve para colocar fotos, escrever mensagens, desenhar, colar imagens, enfim guardar o que quiser, desde que sejam pequenas coisas. Um verdadeiro achado para a criatividade da gurizada.

Keith Haring morreu aos 31 anos, em decorrência da Aids, mas deixou um legado artístico considerável. A Fundação Keith Haring, idealizada por ele, além de promover seu trabalho e manter coleção de arte para pesquisa, oferece assistência a organismos educacionais que cuidam de pessoas com Aids. Para saber mais sobre esse trabalho, acesse www.haring.com , que tem ainda uma seção infantil – www.haringkids.com , com jogos, cartões, desenhos para colorir e outras atividades.

Abaixo, uma breve carta de aconselhamento que ele escreveu à um aspirante a artista e fã de seu trabalho, por volta de 1987.

Trascrição (e tradução) abaixo.

Transcrição/Tradução

KEITH HARING
676 BROADWAY N.Y.C. 10012 212-477-1579

Michael -

Obrigada por sua carta. Eu desenho todos os dias. Quando eu tinha 15 anos, queria ser artista então eu desenhava o tempo todo. Era meu único talento visível.

O que quer que você faça, o único segredo é acreditar no que se faz e satisfazer a si mesmo. Não faça por ninguém mais.

Boa Sorte,

Keith

Transcrição/Tradção

ELK REALTY, INC.
1107 BROADWAY
NOVA YORK, N. Y. 10010
CÓDIGO DE ÁREA 212
WATKINS 4-3560

15 de novembro de 1965

Sr. Andy Warhol
231 East 47 Street
Nova York,  Nova York

Caro Sr. Warhol:

Fomos notificado que o senhor tem oferecido festas no espaço do quarto andar que ocupa.  Entendemos que såno em geral grandes festas que duram várias horas. Soubemos que os convidados deixam sujeiras e lixo nas áreas pública e o senhor nunca se importou em limpá-las.  Além do mais, soubemos que um número de pessoas como o senhor é contrário à várias leis governamentais e regulamentos que podem apresentar sérios problemas com os regulamentos do Departamento de Incêndios.

Seu contrato, é claro, não permite tais utilizações e o senhor está notificado a não mais oferecer tais festas neste edifício.

Sinceramente,

ELK REALTY, INC., Agentes

(Assinatura)

Alfred R. Goldstein
Presidente

ARG:sd