Além da capa, a revista trás uma reportagem com fotos e imagens do artista, que mostra como é seu cotidiano.
Aqui a gente só mostra a capa, com a inconfundível arte de Manara.

Agora imagine se essa vigilância fosse permanente, sem trégua ou final, com regras rigorosíssimas a serem seguidas e que tolhem a liberdade individual, sem contudo levar a uma premiação. Pois é. Foi exatamente isso que imaginou Georges Orwell, escritor nascido nas Índias Britânicas, em 1984, obra que deu origem ao termo Big Brother, o Grande Irmão, e a ideia de “vigilância individual constante”.

O livro, escrito em 1948 e publicado em 1949, pouco antes da morte do autor que estava com tuberculose, é um clássico e fala sobre um mundo fictício (que bem poderia ser real) e seu cotidiano permeado pelo regime totalitário e repressivo. Orwell, inclusive, se apressou em escrever o livro a fim de registrar suas impressões sobre um mundo que se encaminhava para o lado oposto daquilo que imaginara e sonhara: o da fraternidade.

Nesse mundo, dividido em três grandes superestados – Eurásia, Oceania e Lestásia –, as potências vivem em guerra permanente, sem contudo ter um vencedor. O importante, afinal, era mostrar quem detinha o poder. 1984 se passa na Oceania, império cujo chefe supremo é o Grande Irmão – ou Big Brother, que vigia os cidadãos por meio de teletelas instaladas por todo o território, de forma a reprimir a liberdade e, assim, manter a “ordem” por ele estabelecida.

Nesse mundo, até um idioma vem sendo construído, a Novilíngua, cuja característica principal é a redução de termos, impedindo assim a livre expressão de qualquer opinião contrária ao Partido.

Na trama, Winston Smith é um desconhecido funcionário do Ministério da Verdade de Oceania, órgão que cuida da informação pública do governo. Aos poucos, ele vai tomando consciência da opressão em que a sociedade vive e começa a sair  da passividade, revoltando-se, encorajado sobretudo pelo amor de Júlia, sua colega de trabalho.

Nessa empreitada, Smith tenta quebrar regras, mas acaba descobrindo que a própria revolta é incentivada pelo Sistema para fisgá-lo ainda mais. E, atraído por O´Brien, membro do Partido, cai em uma armadilha cujo objetivo é manter a fé no Grande Irmão. O ponto alto é quando Smith é levado por O´Brien ao quarto 101, o chamado “pior lugar do mundo”, cujo terror é individualizado, ou seja, a tortura ali se dá com aquilo que a pessoa considera como a pior coisa do mundo para ela.

Revisitando o livro recentemente senti o mesmo horror de quando o li pela primeira vez, sobretudo com relação às sociedades totalitárias, em que as liberdades individuais são relegadas em detrimento de um poder central. Orwell, que foi militante de esquerda, teve lucidez necessária para perceber para onde o stalinismo na época caminhava e tentou alertar a sociedade com a publicação do livro.

O romance ganhou duas adaptações para o cinema: uma em 1956, realizada por Michael Anderson, e outra em 1984, feita por Michael Radford. O livro teve ainda outras adaptações, entre elas uma televisiva, pela BBC, e no formato de ópera, além de ter inspirado o reality show Big Brother, a HQ V de Vingança, o filme Equilibrium e o jogo de computador Half Life 2.

1984 foi traduzido para mais de 65 idiomas e publicado por diversas editoras, entre elas a Companhia das Letras.

Leia um trecho.

Quai des Orfèvres, uma manhã de fevereiro. O Comissário Maigret escuta distraidamente uma visitante quando é interrompido por uma ligação telefônica. Um homem apavorado diz que está sendo perseguido, pede proteção e marca um encontro num bar. Mas quando o inspetor enviado por Maigret chega no lugar combinado o desconhecido já havia partido. O homem liga novamente e marca outro ponto de encontro, mas também desta vez ele parte antes da chegada do inspetor. De madrugada, Maigret é acordado por outro telefonema: um cadáver fora encontrado na Place de la Concorde. Deslocando-se imediatamente para o local, o Comissário reconhece o misterioso interlocutor através da descrição feita pelo próprio homem ao marcar o primeiro encontro. Começa a investigação de Maigret. Quem é o homem? Por que o eliminaram daquele jeito? Por que o depositaram, depois de morto, naquele belo cenário da Place de la Concorde?

Confira um preview:

É só pela reação dos cineastas que percebe-se que o público aplaude freneticamente e que O Artista em si também é um filme mudo. E em preto e branco, como os originais. É uma ode à Era de Ouro de Hollywood, e o escritor-diretor Hazanavicius se aproveita bem deste conteúdo, embalando seu melodrama romântico sobre a ascensão de uma nova e ingênua e a queda de uma estrela do cinema mudo em 1920/30 em Los Angeles, nos tons de branco preto e prata cintilante.

George Valentin é uma celebridade, tanto nas telas quanto fora, sendo absolutamente encantador,  especialmente com seu amigo Jack Russell ao seu lado. Classicamente bonito e uma dotado de humor físico, Dujardin é perfeito como o ator, tão sedutor para o público do século 21 como para os histéricos fãs de seu personagem. Seu sucesso aparentemente à prova de falhas atinge um obstáculo, no entanto, com o advento do cinema falado, uma evolução que abre portas para uma nova geração de talentos.

E no auge de seus poderes, George Valentin vê seu caminho cruzar com o de Peppy Miller (Bérénice Bejo, que é casada com Hazanavicius), uma figuante que vê sua carreira decolar, enquanto a do ator entra em declínio. E ela é tão linda como é animada, e Bérénice Bejo demonstra profundidade inesperada para sua alegre personagem quando, sozinha no camarim de George, ela demonstra uma habilidade visuaal que só alcança tal ressonância no cinema mudo.

Apesar de, ou principalmente, porque O Artista é um filme mudo, usa o som de formas provocantes. Em grande parte, o acompanhamento são as criações Ludovic Bource, arejadas e bem pontuadas, perfeitamente sintonizado com a ação da tela, mas Hazanavicius quebra a barreira do som, por assim dizer, em sequências que introduzem elementos de realismo mágico à história, e aí a trilha sonora muda dramaticamente no clímax do filme.

Enquanto isso, sem diálogo e poucos intertítulo para mastigar a trama, Hazanavicius e o diretor de fotografia Guillaume Schiffman tomam um cuidado especial com a geometria de suas imagens. Em uma cena, George e Peppy se encontram nas escadas do lado de fora de um estúdio, e enquanto conversam, a equipe trabalha trazendo para frente e para trás e para cima e para baixo os painéis atrás e ao redor deles, em um exemplo de como há algo artístico e delicioso de se observar em cada cena.

Se O Artista possui uma falha, talvez seja a falta de criativiade e obviedade de algumas referências, como por exemplo, os títulos de seus filmes. O filme em que Peppy é descoberta se chama Beauty Spot, referência óbvia a seus atributos físicos, assim como Gurdian Angel remete ao papel que ela tem na vida de George. Mas no geral, o filme é um belo e bem suscedido projeto, ambicioso e nostálgico, e que demonstra que seus criadores são, de fato, os artistas.

Avaliação: ★★★★

Veja o trailer:

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Os painéis Guerra e Paz, de Portinari, serão exibidos pela primeira vez devidamente restaurados na Fundação Memorial da América Latina, por um período de dois meses, a partir desta terça-feira, 7 de fevereiro de 2012.

A exposição Guerra e Paz, de Portinari apresenta os dois últimos e maiores murais criados por Cândido Portinari (1903 – 1962), após minucioso trabalho de restauro, realizado entre fevereiro e maio de 2011, que trouxeram de volta às obras o cromatismo intenso que caracteriza o trabalho do pintor de Brodowski.

Os monumentais murais estarão expostos junto a cerca de 100 dos estudos originais preparatórios para Guerra e Paz, além de uma centena de documentos históricos, entre cartas e fotos, que contam, em detalhes, toda a trajetória de criação das obras, encomendadas pelo governo brasileiro para presentear a sede da ONU, em Nova York. Serão exibidos continuamente documentários sobre a vida e a obra do pintor.

“É uma exposição histórica, sem precedentes, oportunidade única de ver Guerra e Paz no Brasil reunidos aos estudos, no Memorial da América Latina, em São Paulo. Nem o próprio pintor teve a chance de ver todo este material em seu conjunto“, afirma João Candido Portinari, filho do pintor, fundador e diretor geral do Projeto Portinari, ainda nos anos 80.

Para o Memorial, é significativo ter os famosos painéis, que há 54 anos estão em Nova York. O presidente do Memorial, Antonio Carlos Pannunzio ressalta a importância da exposição: “Essas obras falam tudo a respeito das aflições e da esperança que atormentam e acalentam a humanidade desde sempre e serão vistas por milhares. Sem dúvida, elas ajudarão o Memorial a cumprir sua missão de aproximar povos, especialmente povos latino-americanos, sobretudo se isso for feito sob a motivação maior – a busca da paz”.

Para o Secretário Estadual de Cultura Andréa Matarazzo, o Salão de Atos do Memorial é o lugar ideal para a dimensão física (14m x 10m) e emocional dos painéis. “Parece que esse espaço foi construído especificamente para isso”, diz, e brinca, “a próxima missão de João Candido será convencer a ONU que os quadros Guerra e Paz devem é ficar aqui Memorial”. Matarazzo ressaltou a dedicação de Candinho em recuperar, cultivar, engrandecer e divulgar a memória e a obra do pintor: “Filho apaixonado, orgulhoso do trabalho do pai, João Candido faz da sua vida um verdadeiro sacerdócio em prol da propagação da obra de Portinari.” Quando se recorda que os painéis gigantesco ficavam inacessíveis ao público, em NY, assim como 95% da obra de Candido Portinari permanece trancada em coleções particulares, fica claro a importância desse trabalho.

Os painéis foram restaurados no primeiro semestre de 2011no Rio de Janeiro, em ateliê aberto ao público, montado no Palácio Gustavo Capanema, por iniciativa do Projeto Portinari. Antes disso, eles tinham ficado expostos no palco do Teatro Municipal carioca, entre 22 e 30 de dezembro de 2010. Mais de 40 mil pessoas foram visitá-lo!

Guerra e Paz são obras da década de 50 feitas especialmente para a sede da Organização das Nações Unidas, em Nova York. Entre 1952 e 1956, Candido Portinari – um dos grandes artistas brasileiros do século passado – trabalhou sofregamente para atender o pedido do governo brasileiro. Apesar da recomendação médica que evitasse o uso de tinta a óleo, já que apresentava sintomas de intoxicação pelo chumbo presente no composto, Portinari encarou a encomenda como missão e criou um dos mais belos e impactantes testemunhos da loucura humana. Portinari retratou a guerra não por meio de soldados ou equipamento bélico, mas por meio das suas vítimas, especialmente aquela que sofre a dor maior: a mãe que perdeu o filho.

Portinari era um idealista. Como boa parte da intelectualidade e de artistas da sua geração, ele era comunista filiado ao PCB, por quem concorreu a deputado constituinte em 1945 e a senador em 1947. Sua insistência em presentear o mundo com a sua arte pungente, como que clamando por um tempo utópico em que não houvesse a exploração do homem pelo homem, custou-lhe caro. Portinari praticamente se auto-emulou por sua utopia, tornando-se, mais que um artista, um herói trágico de toda a humanidade. Guerra e Paz foram os últimos grandes painéis pintado por ele. Depois disso, adoeceu pouco a pouco até morrer em 1962, vítima das tintas que para ele eram uma arma.

Os quadros foram finalmente instalados em Nova York, em 1957, no hall de entrada da Assembleia Geral da ONU. Por ser comunista, Portinari não obteve autorização do governo americano para ir à inauguração da sua obra. Atualmente, por razões de segurança, o grande público não tem acesso ao local, apenas os políticos de todos os países do mundo. Recentemente, quando João Portinari soube que as instalações da ONU passariam por reforma entre 2010 e 2013, tanto fez que conseguiu a guarda da obra de seu pai por esse período. Era a oportunidade dos painéis Guerra e Paz percorrerem o mundo e finalmente serem conhecidos pelo povo. Em contrapartida, eles deveriam voltar devidamente restaurados, como previa o contrato entre a ONU e governo brasileiro dos anos 50. Para essa empreitada, João Candido obteve o apoio do governo brasileiro, por meio do BNDES, e de outras entidades públicas e privadas.

Segundo João Candido Portinari, depois de São Paulo Guerra e Paz devem percorrer o mundo. Com o esperado apoio do Itamaraty, os painéis de Candido Portinari vão levar sua mensagem dramática e de esperança à cidade de Oslo, na Noruega, por ocasião da entrega do Prêmio Nobel da Paz, em dezembro de 2012. Em agosto de 2013, eles voltam para o hall da sede da ONU. Lá, a esperança é que sua missão seja completada, afinal, Portinari não retrata apenas a guerra, mas também um tempo de paz, no qual as crianças possam brincar e os adultos de todas as etnias possam trabalhar e viver – em paz.

Serviço:
Guerra e Paz, de Portinari
Exposição dos painéis pintados por Candido Portinari
Período: 7 de fevereiro a 21 de abril de 2012 – Entrada gratuita
Local: Fundação Memorial da América Latina,
Av. Auro Soares de Moura Andrade, 664,
nos seguintes espaços:
Salão de Atos, Galeria Marta Traba e Auditório Simón Bolívar.
Horário: terça a domingo, das 9h às 18h
Visitas guiadas (a partir de 1º de março) para grupos e escolas devem ser agendadas pelo e-mail: educativoguerraepaz@gmail.com

Embora lançado em 2009, outro álbum também tem chamado bastante atenção por trazer à tona o cotidiano brasileiro de uma forma bastante poética e humana: Sábado dos meus amores, de Marcello Quintanilha, que foi publicado pela Conrad Editora num belo encadernado.

A HQ traz seis histórias, que se misturam entre crônicas e contos. A primeira, Plena de Flôroi é uma homenagem ao cronista Rubem Braga e sua crônica A borboleta amarela, escrita em 1952. Em apenas seis quadros, dispostos em uma página, Quintanilha consegue sintetizar a crônica e complementá-la com uma visão sensível. Não tem como não se emocionar.

As cinco histórias a seguir são um pouco mais longas, com exceção de Atualidade, também contada em uma página. Nesta um operário se ressente do resultado de um jogo de loteria. Os demais contos são: De como Djalma Branco perdeu o amigo em dia de jogo, no qual um torcedor fanático pelo Flamengo, morador na periferia do Rio de Janeiro, vive às voltas com as superstições do jogo

Já Dorso conta a história de um carregador que se autoflagela por não conseguir esquecer seu passado como trabalhador na roça; Escola primária remete à região nordeste do Brasil, onde uma garota se enamora de um jangadeiro; por fim, A fuga de Zé Morcela fala de um ajudante de circo que gosta de um jogo de carteado e um guarda-civil marcado pelo complexo de inferioridade.

São histórias simples, que retratam o dia a dia de pessoas simples, das quais se sobressai a humanidade de suas relações. Os finais parecem não ter desfecho, mas com uma visão mais atenta percebe-se o desenlance que o quadrinista quis dar. E os desenhos são bastante expressivos e impressionam pela força, como o último quadro do conto Escola Primária, que foca o rosto e o sorriso tímido da garota frente ao jangadeiro.

Artista autodidata por excelência, Marcello Quintanilha iniciou-se como quadrinista em 1988, desenhando histórias de terror e artes marciais. Na época, assinava sob o pseudônimo de Marcello Gaú.

Teve vários trabalhos publicados e prêmios conquistados no Brasil. Em 1999 a Conrad lançou seu primeiro livro, Fealdade de Fabiano Gorila. Em 2005 publicou seu segundo livro: Salvador, da coleção Cidades Ilustradas, da Casa 21.

Hoje Marcello reside em Barcelona, na Espanha, onde faz a série de quadrinhos Sept Balles Pour Oxford , da editora belga Editions du Lombard, junto com os roteiristas Jorge Zentner e Montecarlo. E colabora, também, para os jornais La Vanguardia e El País, como ilustrador.

Vale a pena conferir seus trabalhos.

Veja um preview de Sábado de meus amores.

Situado no Hawaii, Os Descendentes conta a história de um sobrecarregado advogado chamado Matt King (George Clooney), que se encontra em situação bastante delicada: Sua esposa, aqual ele esqueceu de amar durante os últimos anos de seu casamento, está em coma prestes a morrer. Para piorar a situação, ele descobre que ela o traia e planejava pedir o divórcio.

Repleto de possibilidades, esta premissa tem o potencial para tornar-se uma comovente história sobre a morte e perdão. E mesmo que, eventualmente, o final seja um pouco triste, Payne perde muito tempo tentando chegar ao desfecho, aborrecendo o espectador com um capítulo sem sentido do meio da história, que desconecta os personagens de sua redenção final.

O buraco do coelho tenta começar com Matt King, lidando com essa situação limite junto com suas duas filhas, Scottie (Amara Miller) e Alexandra (Shailene Woodley), e amigo de Alexandra (Nick Krause), enquanto fica determinado a encontrar e enfrentar o amante de sua esposa. O enredo possui alguns momentos divertidos, mas Payne arrasta-o de tal forma que, quando King finalmente encontra o amante da esposa, o confronto se mostra como anti-clímax e, consequentemente, insatisfatório.

A busca de King pelo amante de sua mulher tem, obviamente, a intenção de servir como um catalisador para a renovação das relações entre o pai e suas filhas, principalmente Alexandra, que teve uma história com drogas e homens mais velhos. Infelizmente, o filme torna-se tão centrado no personagem e sua vingança que a relação entre o pai e as filhas torna-se secundária, e a cena mais profunda que se tem desta relação é Alexandra colocando a cabeça no ombro de seu pai.

Em todo o filme, tem-se apenas vislumbres do interior dos personagens e suas motivações. Claro, estão todos cansados ​​e lutando para dar sentido a suas vidas, mas além das reações à situação difícil, não é fácil entender porque todos são como são. Não há nem um indicativo de justificativa para suas eventuais reconciliações.

O elenco também não colabora para amenizar a falta de profundidade da trama. No papel principal, Clooney não consegue criar um protagonista convincente e simpático. Em vez disso, ele oferece o mesmo personagem de sempre: manhoso, rico, bonitão e sedutor. (Se não estivéssemos prova em contrário, poderíamos facilmente acreditar que o seu Matt King ganha a vida voando por todo os EUA demitindo pessoas).

As duas jovens atrizes que interpretam suas filhas, se contrastam à apati de George Clooney. Embora o roteiro não lhes favoreça, tanto Amar Miller quanto Shailene Woodley fazem um trabalho admirável ao apresentes  seres humanos críveis em seus personagens.

Em última análise, mesmo o final vigoroso não pode salvar Os Descendentes de suas falhas. E isso é lamentável, porque a seqüência final de King com sua esposa causa uma emoção real. Desafia as percepções culturais de amor e de justiça, especialmente no que diz respeito ao casamento, e propõe uma mensagem de superação e perdão, uma mensagem de ‘até que a morte nos separe’. Mas a morte no filme transparece em todo o momento, na apatia dos personagens, e isso é muito triste.

Avaliação: ★★

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Como anunciado anteriormente, Le Voyage Dans La Lune apresenta a canntora de Beach House e tecladista Victoria Legrand na faixa Seven Stars. Agora, é possível ver o vídeo de outa música, Parade, que mostra cenas de Excursion To The Moon, interpretação de Segundo de Chomón de 1908 do filme de Méliès.

Veja o vídeo.

Apesar do título original (The Girl…), a história gira em torno de um homem, Mikael Blomkvist (Daniel Craig), um jornalista ivestigativo sueco  que acaba de ser condenado por difamação de um magnata dos negócios. Falido e distaciado da Millennium, a revista que edita em parceria com sua amante Erika Berger (Robin Wright), ele aceita um emprego de Henrik Vanger (Christopher Plummer), um industrial aposentado, que está convencido de que um membro de sua disfuncional família assassinou sua sobrinha de 16 anos, Harriet, 40 anos atrás. Sob o pretexto de escrever as memórias Henrik, Mikael vai para Hedeby, a isolada ilha onde ocorreu o incidente, como o objetivo de investigar a morte de Harriet.

Enquanto isso, Lisbeth, que vive sob tutelo do estado devido a uma infância violenta passada dentro e fora de instituições para doentes mentais, recebe um novo guardião, que assume suas finanças e exige favores sexuais em troca do subsídio. Entretanto, Lisbeth não gosta de ser a vítima, e retoma sua situação financeira e emocional depois de algumas cenas brutalmente gráficas.

Todo este cenário é estruturado em forma de fragmentos (e é melhor prestar atenção para acompanhar), com trechos apenas aludindo ao invés de explicar a fundo no escândalo de Mikael, Lisbeth, às vezes, trabalhando em uma empresa de segurança, a investigação sobre a morte de Harriet e como todos eles se relacionam. Em um determinado ponto em sua investigação, Mikael percebe que precisa de um assistente de pesquisa. O advogado Henrik recomenda a pessoa que fez a verificação de antecedentes sobre Mikael antes de contratá-lo: Lisbeth.

Ronney Mara lutou muito para este conseguir este tão cobiçado papel, e com razão: é o tipo de personagem que muda completamente os rumos de uma carreira. Lisbeth se oculta do mundo, raramente fazendo contato visual e sua vida é mostrada nua e cruamente, física e emocionalmente. Os trajes de Lisbeth são assinados por Trish Summerville (capuzes, couro e jeans desfiado), a maquiagem escura é de Pat McGrath, corte de cabelo do punk por Danilo (incluindo sobrancelhas descoloridas), piercings (alguns deles reais) e tatuagens elaboradas para criar o visual de Lisbeth, mas em última instância, é Rooney Mara, que dá o toque único de Lisbeth, cheia de astúcia e com um desejo infinito por vingança. A garota é um soco no estômago.

O roteirista Steve Zaillian escreveu seu roteiro diretamente do romance de Larsson, deixando de mencionar, mesmo com toda a notoriedade existente, o filme anterior. Ainda assim, as duas versões fazem muitas das mesmas escolhas inteligentes em sentido editorial, condensando 600 páginas em duas e meia horas. Pequenas mudanças, que são até insignificantes, foram feitas mas ambas adaptações seguem a mesma dinâmica.

Mas o grande desafio continua o mesmo: como traduzir o quebra-cabeças cerebral da literatura para um meio visual. Fincher faz isso perfeitamente, usando habilmente camadas e camadas de papel, fotografias, telas de computador, dublagens e flashbacks, acompanhado pelo som de Reznor criando uma paisagem sonora, de modo que Mikael, Lisbeth e o espectador cheguem ao mesmo tempo à mesma terrível conclusão. O mistério e surpresas são um pouco prejudicados, mas para quem estiver familizarizado como o material original, é sempre satisfetório ter as experiências da garota tatuada mais uma vez.

O filme de David Fincher sofre o mesmo destino que a versão sueca, em que há uma extensão muito grande da trama, distanciando muito o desenlace do clímax do filme. Mas com o deseelvolvimento dos personagens e do material, a sequencia é merecidamente aguardade.

Avaliação: ★★★★

Assista ao trailer.

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Veja o vídeo.