A Ocupação tem por característica destacar elementos do processo criativo de artistas considerados ícones em sua área de expressão. Nesta edição, com curadoria da arquiteta e designer gráfica Carolina Guaycuru, parte do ambiente de trabalho do cartunista é recriado no espaço expositivo, projetado pela cenógrafa e também arquiteta Patrícia Rabbat.

Com uma produção múltipla e significativa, o cartunista é conhecido por ironizar a vida cotidiana da metrópole, seja ao criar personagens controversos em tirinhas, seja ao emprestar seu humor ácido a charges políticas, ao editar a já extinta revista Chiclete com Banana ou ao se autocriticar numa série de caricaturas na qual é personagem de si mesmo.

Entre as curiosidades da Ocupação Angeli, destaque para a exibição de dois sets restaurados das filmagens de Dossiê Rê Bordosa, curta dirigido por Cesar Cabral com bonecos animados. Um vídeo especialmente produzido para a exposição traz uma entrevista na qual o artista conta fatos marcantes de sua trajetória entre 1970 e 2000, relacionados à música, expressão fundamental em sua obra. Quem assina esse trabalho é o produtor musical, sonoplasta e artista gráfico Pedro Angeli, seu filho.

A Ocupação Angeli também terá uma publicação com tiragem limitada em dois mil exemplares. Nela os visitantes encontrarão desenhos e notas do artista e textos assinados pela curadora (que também é companheira do autor há mais de 15 anos) e pelo também cartunista Laerte.

Ocupação Angeli
Itaú Cultural: av. Paulista, 149, São Paulo
Telefone: (11) 2168-1776
De 16 de março a 29 de abril
Terça a sexta, das 9h às 20h; sábado, domingo e feriados, das 11h às 20h
Entrada gratuita

Galeria de Imagens

Criado em 1996 pelo crítico Amir Labaki, o festival tem exibido anualmente cerca de uma centena de obras não-ficcionais brasileiras e internacionais, entre lançamentos e clássicos, simultaneamente em São Paulo e no Rio de Janeiro.
“Poucas edições foram tão marcadas pela pluralidade dos registros no documentário”, afirma Labaki. “Do filme-diário ao afresco planetário, da revisita ao passado íntimo ao exame da atual conjuntura sócio-econômica mundial, o arco é amplo e fascinante”.

Veja abaixo a programação completa do festival:

ABERTURA SÃO PAULO

Tropicália

Dir: Marcelo Machado

ABERTURA RIO DE JANEIRO

Jorge Mautner – O Filho do Holocausto

Dir: Pedro Bial, Heitor D`Alincourt

COMPETIÇÃO INTERNACIONAL – LONGAS

½ Revolução
Dir. Omar Shargawi e Karin El Hakim

Barulho
Dir. Dan Geva e Noit Geva

Calafate, Zoológicos Humanos
Dir. Hans Mulchi

China Peso-Pesado
Dir. Yung Chang

Cinco Câmeras Quebradas
Dir. Emad Bornat e Guy Davidi

Com Amor, Carolyn
Dir. Maria Ramstrom e Malin Korkeasalo

É na Terra Não é na Lua
Dir. Gonçalo Tocha

O Beijo de Putin
Dir. Lise Birk Pedersen

O Emprego
Dir. Didier Cros

O Homem que Ninguém Conheceu
Dir. Carl Colby

Planeta Caracol
Dir. Seung – Jun Yi

Tonia e Seus Filhos
Dir. Marcel Lozinski

COMPETIÇÃO INTERNACIONAL – CURTAS

3 Dias de Liberdade
Dir. Lukasz Borowski

A Morte Está no Campo
Dir. Chappatte

Descarrilamentos
Dir. Chelsea McMullan

Encontro com Papai Kasper Cartola
Dir. Lea Glob

Osso Vento Fogo
Dir. Jill Sharpe

Pescaria com Vovó
Dir. Wing Yan Lilian Fu

Queremos Explodir o Vasa
Dir. Simon Moser e Idji Maciel

Tilman no Paraiso
Dir. Julian Vogel

Vovós
Dir. Afarin Eghbal

RETROSPECTIVA INTERNACIONAL

A Televisão e Eu
Dir. Andrés di Tella

Fotografias
Dir. Andrés di Tella

Golpes de Machado
Dir. Andrés di Tella

Macedonio Fernández
Dir. Andrés di Tella

Montoneros, Uma História
Dir. Andrés di Tella

O País do Diabo
Dir. Andrés di Tella

Proibido
Dir. Andrés di Tella

Reconstituição do Crime da Modelo
Dir. Andrés di Tella

COMPETIÇÃO BRASILEIRA – LONGAS

Coração do Brasil
Dir. Daniel Solá Santiago

Cuíca de Santo Amaro
Dir. Joel de Almeida e Josias Pires

Dino Cazzola – Uma Filmografia de Brasília
Dir. Andréa Prates e Cleisson Vidal

Mr. Sganzerla – Os Signos da Luz
Dir. Joel Pizzini

Os Irmãos Roberto
Dir. Ivana Mendes e Tiago Arakilian

Paralelo 10
Dir. Silvio Da-Rin

Tokiori – Dobras do Tempo
Dir. Paulo Pastorelo

COMPETIÇÃO BRASILEIRA – CURTAS

Barbara em Cena
Dir. Ellen Ferreira

Barbeiros
Dir. Luiz Ferraz e Guilherme Aguilar

Capela
Dir. Gustavo Rosa de Moura

A Cidade
Dir. Liliana Sulzbach

Entre lá e cá
Dir. Heloisa Passos

A Galinha Que Burlou O Sistema
Dir. Quico Meirelles

Limbo
Dir. Cao Guimarães

Piove, Il Film Di Pio
Dir. Thiago Brandimarte Mendonça

Ser Tão Cinzento
Dir. Henrique Dantas

RETROSPECTIVA BRASILEIRA

Cabra Marcado para Morrer
Dir. Eduardo Coutinho

Coutinho Repórter
Dir. Rená Tardin

Crônica de um Verão
Dir. Jean Rouch e Edgar Morin

Exu, Uma Tragédia Sertaneja
Dir. Eduardo Coutinho

O Pistoleiro de Serra Talhada
Dir. Eduardo Coutinho

Seis Dias de Ouricuri
Dir. Eduardo Coutinho

Theodorico, O Imperador do Sertão
Dir. Eduardo Coutinho

PROGRAMAS ESPECIAIS

Amargas Sementes
Dir. Micha X. Peled

Ao Abismo, Um Conto de Morte, Um Conto de Vida
Dir. Werner Herzog

Augusto Boal e o Teatro do Oprimido
Dir. Zelito Viana

Carrière 250 Metros
Dir. Juan Carlos Rulfo

Consideração do Poema
Dir. Gustavo Rosa de Moura, Eucanaã Ferraz e Flávio Rosa de Moura

Crazy Horse
Dir. Frederick Wiseman

Duch, O Mestre das Forjas do Inferno
Dir. Rithy Panh

Ricky Sobre Leacock
Dir. Jane Weiner

Santos, 100 Anos de Futebol Arte
Dir. Lina Chamie

Vivam os Antípodas!
Dir. Victor Kossakovsky

Xaréu – Memórias do Arraial
Dir. Patrícia Ramos Pinto

O ESTADO DAS COISAS

Cartas para Angola
Dir. Coraci Ruiz e Julio Matos

Crise
Dir. Nina Maria Paschalidou e Nikos Katsaounis

Da Maré
Dir. Annie Eastman

Domingo em Brazzaville
Dir. Enric Bach e Adrià Monés

Jardins Lawnswood
Dir. Pawel Kuczynski

Shoot Yourself
Dir. Paula Alzugaray e Ricardo Van Steen

Trabalhe Muito Aposte Alto
Dir. Carmen Losmann

FOCO LATINO-AMERICANO

Em Busca da Alma
Dir. Mario Bomheker

O Céu Aberto
Dir. Everardo González

O Cultivo da Flor Invisível
Dir. Juan Alvarez Neme

O Huaso
Dir. Carlo Guillermo Proto

Os Arquivos
Dir. Maite Rivera Carbonell

PROJEÇÃO ESPECIAL

Light Up Nippon – A um Ano do Terremoto Japonês
Dir. Kensaku Kakimoto

Salvando a Face
Dir. Daniel Junge e Sharmeen Obaid Chinoy

Os painéis Guerra e Paz, de Portinari, serão exibidos pela primeira vez devidamente restaurados na Fundação Memorial da América Latina, por um período de dois meses, a partir desta terça-feira, 7 de fevereiro de 2012.

A exposição Guerra e Paz, de Portinari apresenta os dois últimos e maiores murais criados por Cândido Portinari (1903 – 1962), após minucioso trabalho de restauro, realizado entre fevereiro e maio de 2011, que trouxeram de volta às obras o cromatismo intenso que caracteriza o trabalho do pintor de Brodowski.

Os monumentais murais estarão expostos junto a cerca de 100 dos estudos originais preparatórios para Guerra e Paz, além de uma centena de documentos históricos, entre cartas e fotos, que contam, em detalhes, toda a trajetória de criação das obras, encomendadas pelo governo brasileiro para presentear a sede da ONU, em Nova York. Serão exibidos continuamente documentários sobre a vida e a obra do pintor.

“É uma exposição histórica, sem precedentes, oportunidade única de ver Guerra e Paz no Brasil reunidos aos estudos, no Memorial da América Latina, em São Paulo. Nem o próprio pintor teve a chance de ver todo este material em seu conjunto“, afirma João Candido Portinari, filho do pintor, fundador e diretor geral do Projeto Portinari, ainda nos anos 80.

Para o Memorial, é significativo ter os famosos painéis, que há 54 anos estão em Nova York. O presidente do Memorial, Antonio Carlos Pannunzio ressalta a importância da exposição: “Essas obras falam tudo a respeito das aflições e da esperança que atormentam e acalentam a humanidade desde sempre e serão vistas por milhares. Sem dúvida, elas ajudarão o Memorial a cumprir sua missão de aproximar povos, especialmente povos latino-americanos, sobretudo se isso for feito sob a motivação maior – a busca da paz”.

Para o Secretário Estadual de Cultura Andréa Matarazzo, o Salão de Atos do Memorial é o lugar ideal para a dimensão física (14m x 10m) e emocional dos painéis. “Parece que esse espaço foi construído especificamente para isso”, diz, e brinca, “a próxima missão de João Candido será convencer a ONU que os quadros Guerra e Paz devem é ficar aqui Memorial”. Matarazzo ressaltou a dedicação de Candinho em recuperar, cultivar, engrandecer e divulgar a memória e a obra do pintor: “Filho apaixonado, orgulhoso do trabalho do pai, João Candido faz da sua vida um verdadeiro sacerdócio em prol da propagação da obra de Portinari.” Quando se recorda que os painéis gigantesco ficavam inacessíveis ao público, em NY, assim como 95% da obra de Candido Portinari permanece trancada em coleções particulares, fica claro a importância desse trabalho.

Os painéis foram restaurados no primeiro semestre de 2011no Rio de Janeiro, em ateliê aberto ao público, montado no Palácio Gustavo Capanema, por iniciativa do Projeto Portinari. Antes disso, eles tinham ficado expostos no palco do Teatro Municipal carioca, entre 22 e 30 de dezembro de 2010. Mais de 40 mil pessoas foram visitá-lo!

Guerra e Paz são obras da década de 50 feitas especialmente para a sede da Organização das Nações Unidas, em Nova York. Entre 1952 e 1956, Candido Portinari – um dos grandes artistas brasileiros do século passado – trabalhou sofregamente para atender o pedido do governo brasileiro. Apesar da recomendação médica que evitasse o uso de tinta a óleo, já que apresentava sintomas de intoxicação pelo chumbo presente no composto, Portinari encarou a encomenda como missão e criou um dos mais belos e impactantes testemunhos da loucura humana. Portinari retratou a guerra não por meio de soldados ou equipamento bélico, mas por meio das suas vítimas, especialmente aquela que sofre a dor maior: a mãe que perdeu o filho.

Portinari era um idealista. Como boa parte da intelectualidade e de artistas da sua geração, ele era comunista filiado ao PCB, por quem concorreu a deputado constituinte em 1945 e a senador em 1947. Sua insistência em presentear o mundo com a sua arte pungente, como que clamando por um tempo utópico em que não houvesse a exploração do homem pelo homem, custou-lhe caro. Portinari praticamente se auto-emulou por sua utopia, tornando-se, mais que um artista, um herói trágico de toda a humanidade. Guerra e Paz foram os últimos grandes painéis pintado por ele. Depois disso, adoeceu pouco a pouco até morrer em 1962, vítima das tintas que para ele eram uma arma.

Os quadros foram finalmente instalados em Nova York, em 1957, no hall de entrada da Assembleia Geral da ONU. Por ser comunista, Portinari não obteve autorização do governo americano para ir à inauguração da sua obra. Atualmente, por razões de segurança, o grande público não tem acesso ao local, apenas os políticos de todos os países do mundo. Recentemente, quando João Portinari soube que as instalações da ONU passariam por reforma entre 2010 e 2013, tanto fez que conseguiu a guarda da obra de seu pai por esse período. Era a oportunidade dos painéis Guerra e Paz percorrerem o mundo e finalmente serem conhecidos pelo povo. Em contrapartida, eles deveriam voltar devidamente restaurados, como previa o contrato entre a ONU e governo brasileiro dos anos 50. Para essa empreitada, João Candido obteve o apoio do governo brasileiro, por meio do BNDES, e de outras entidades públicas e privadas.

Segundo João Candido Portinari, depois de São Paulo Guerra e Paz devem percorrer o mundo. Com o esperado apoio do Itamaraty, os painéis de Candido Portinari vão levar sua mensagem dramática e de esperança à cidade de Oslo, na Noruega, por ocasião da entrega do Prêmio Nobel da Paz, em dezembro de 2012. Em agosto de 2013, eles voltam para o hall da sede da ONU. Lá, a esperança é que sua missão seja completada, afinal, Portinari não retrata apenas a guerra, mas também um tempo de paz, no qual as crianças possam brincar e os adultos de todas as etnias possam trabalhar e viver – em paz.

Galeria de Imagens

Serviço:
Guerra e Paz, de Portinari
Exposição dos painéis pintados por Candido Portinari
Período: 7 de fevereiro a 21 de abril de 2012 – Entrada gratuita
Local: Fundação Memorial da América Latina,
Av. Auro Soares de Moura Andrade, 664,
nos seguintes espaços:
Salão de Atos, Galeria Marta Traba e Auditório Simón Bolívar.
Horário: terça a domingo, das 9h às 18h
Visitas guiadas (a partir de 1º de março) para grupos e escolas devem ser agendadas pelo e-mail: educativoguerraepaz@gmail.com

Para homenagear a data, a  AQC-ESP (Associação dos Quadrinhistas e Cartunistas do Estado de São Paulo) criou, em 1984, o Prêmio Angelo Agostini que visa homenagear e premiar os profissionais brasileiros da arte sequencial.

O evento está em sua 28ª edição e será realizado no sábado, 04 de fevereiro, a partir das 14 horas, no Espaço Cultural Instituto Cervantes (Av. Paulista, 2439 – Consolação, próximo ao metrô Paulista) em São Paulo, aberto ao público e com entrada gratuita.

Serão onze premiados em oito categorias:

Melhor Desenhista (Murilo DNA);
Melhor Roteirista (Daniel Esteves);
Melhor Cartunista (Gustavo Duarte);
Melhor Lançamento (Ação Magazine – Lancaster Editorial);
Melhor Lançamento Independente  (Love Hurts – Murilo Martins);
Melhor Fanzine – Miséria (Coletivo Miséria);
Troféu Jayme Cortez (FIQ – Festival Internacional de Quadrinhos);
Mestres do Quadrinho Nacional  (Bira Dantas, Fernando Gonsales, Lourenço Mutarelli e Moacir Torres) escolhidos por meio da votação realizada entre profissionais da área, estudiosos, amadores e aficionados pelos quadrinhos nacionais.

Entre as atrações, está o lançamento do documentário “Ao Mestre com Carinho” com roteiro, produção e criação do cartunista  Márcio Baraldi em homenagem a  Rodolfo Zalla. O veterano quadrinhista, inclusive,  estará autografando suas publicações à partir das 14 horas. O filme  tem 72 minutos contando com extras e será vendido ao preço de R$ 10,00 durante o evento.

Para as 14h30 está programado um debate sobre “A Nova Lei Brasileira dos Quadrinhos na Opinião dos Profissionais” com os artistas Jal (cartunista, jornalista, presidente da ACB – Associação dos Cartunistas do Brasil) , Márcio Baraldi (cartunista, criador dos personagens Roko Loko e Adrina-Lina, Vapt  e Vupt, Rap Dez),  Spacca (cartunista, autor dos livros em quadrinhos “Dom João Carioca”, “Jubiabá”, “Santô e os Pais da Aviação”) e o editor Guilherme Kroll (Balão Editorial, que publicou “Os Passarinhos”, “Entrequadros”). O debate terá a mediação do jornalista, editor do blog “Papo de Quadrinho”  e colaborador da Revista Mundo dos Super-Heróis Jota Silvestre e discutirá sobre o projeto de lei nº 6.060/2009 (de autoria do deputado federal Vicentinho), que “estabelece mecanismos de incentivo para a produção, publicação e distribuição de revistas em quadrinhos nacionais” e inclui um polêmico artigo segundo o qual as editoras deverão publicar um percentual mínimo de 20% de produção nacional.

A entrega dos troféus terá início às 16h30, com presença do vencedores, profissionais, leitores de quadrinhos e convidados.

O evento contará com um espaço coletivo de vendas de produtos. Durante todo o período haverá a criação de uma HQ Coletiva (os presentes serão convidados a desenhar uma seqüência de uma HQ à disposição no saguão), com tema escolhido no início dos trabalhos e uma exposição de tela a óleo do artista William MR, tendo como inspiração Ângelo Agostini.

Também será lançado o livro “A Técnica do Desenho” de Jayme Cortez além de autógrafos com a presença dos autores da revista “Picles”.

O 28º Prêmio Angelo Agostini é realizado pela Associação dos Quadrinhistas e Caricaturistas do Estado de São Paulo (AQC-ESP) e Instituto Cervantes de São Paulo.

Serviço:

28º Premio Ângelo Agostini
Quando: 04 de fevereiro (sábado)
Horário: 14h00 (abertura)
Onde: Espaço Cultural Instituto Cervantes
Endereço: Av. Paulista, 2439 – Consolação
Informações: (11) 3897-9609
Entrada Franca
Organização: Associação dos Quadrinhistas e Caricaturistas do Estado de São Paulo (AQC-ESP) www.aqcsp.blogspot.com e Instituto Cervantes de São Paulo

Programação:

14h00 – Abertura do espaço da Comix Book Shop e do Coletivo Quarto Mundo

14h00 – Lançamento das revistas Calafrio 53 e 54 com autógrafos de Rodolfo Zalla

14h00 – Lançamento do livro “A Tecnica do Desenho” de Jayme Cortez

14h30 – Debate: “A Nova Lei Brasileira dos Quadrinhos na Opinião dos Profissionais” com os artistas Jal, Márcio Baraldi e Spacca e o editor Guilherme Kroll (Balão Editorial), mediação do jornalista e editor do blog Papo de Quadrinho, Jota Silvestre

16h00 – Lançamento do documentário “Ao Mestre com Carinho” de Márcio Baraldi

16h30 – Entrega dos Prêmios Ângelo Agostini aos melhores do quadrinho nacional do ano de 2011

Documentário “Ao Mestre com Carinho”, de Márcio Baraldi: Em 72 minutos, Rodolfo Zalla, uma das últimas lendas vivas do quadrinho sul-americano de sua geração, passa a limpo toda sua carreira. O DVD traz uma extensa, exclusiva e descontraída entrevista com Zalla, mostrando imagens raras e inéditas de todas as fases de sua longa e vitoriosa carreira.
Produzido e dirigido por Márcio Baraldi, fã confesso, “Ao Mestre com Carinho” é um documentário a altura do talento e do carisma desse grande mestre mundial das HQs.

Sobre Rodolfo Zalla: nasceu em 1931 na Argentina e na década de 60 migrou para o Brasil junto com uma leva de outros artistas (Jose Delbo, Osvaldo Talo e Eugenio Collonese, este ultimo italiano radicado na Argentina). Aqui, rapidamente se tornou um dos quadrinhistas mais prolificos do Brasil, produzindo milhares de paginas de todos os generos, do faroeste ao erótico, mas sobretudo no terror, gênero que o consagrou definitivamente. Empreendedor, fundou sua própria editora nos anos 1980, a D-Arte, pela qual publicou as revistas Calafrio e Mestres do Terror por quase uma década. Ambas se tornaram as referências máximas para o quadrinho de Terror e Suspense brasileiro, abrigando em suas paginas dezenas de quadrinhistas talentosos como Mozart Couto, Colonnese, Watson, Shimamoto, Flavio Colin, Rodval Matias, entre muitos outros. Com mais de 60 anos ininterruptos de profissãoo, é um dos maiores mestres da HQ brasileira em todos os tempos e um dos últimos de sua geração ainda vivo e atuante. Neste documentario, Zalla passa a limpo essas seis décadas de trabalho incessante com muito bom humor, inteligência, carisma e lucidez.

"Solitário Inconformado" - Leonilson (1989)

A exposição “Solitário inconformado” e outras gravuras de Leonilson exibe, pela primeira vez, um conjunto de gravuras do artista José Leonilson, um dos principais nomes da arte contemporânea brasileira.
A mostra reúne cerca de 20 obras, algumas inéditas, realizadas em diversas técnicas de gravação. Exibe, também, matrizes e esboços, revelando aspectos de seu processo criativo.
Juntamente com a mostra ocorre o lançamento da gravura Solitário inconformado. Serigrafia realizada a partir de desenho original de Leonilson, já impresso pelo artista, em 1989, em camiseta. Esta tiragem especial post mortem de 250 exemplares, terá sua renda revertida ao Projeto Leonilson, instituição que pesquisa, preserva, cataloga e divulga obra e vida do artista.
O lançamento da gravura e a abertura da exposição acontecerão no próximo dia 03 de dezembro, na Galeria Logo, das 11:00 as 19:00 hs. A mostra ficará em cartaz até dia 28 de janeiro de 2012.

A Galeria Logo localiza-se na Rua Arthur de Azevedo, 401 – Pinheiros, São Paulo, SP.

Toda a verba obtida com a venda dos ingressos do evento é revertida para projetos ligados à indústria cinematográfica, como premiação de longas e curtas-metragem, apoio a festivais, restauração de cópias, realização de campanhas e outros. Segundo a Cinemark, a maior rede exibidora do país, esta é uma homenagem à produção nacional e uma forma de aproximar o público de cinema dos filmes brasileiros.

O Projeta Brasil deste ano acontecerá em 7 de novembro, nas 429 salas da Cinemark espalhadas por todo o país. Confira abaixo a relação completa dos filmes que serão exibidos.

- Cilada.com
- Bruna Surfistinha
- Assalto ao Banco Central
- As Mães de Chico Xavier
- Brasil Animado
- Qualquer Gato Vira-lata
- O Palhaço
- Capitães da Areia
- O Filme dos Espíritos
- Onde Está a Felicidade?
- Não Se Preocupe, Nada Vai Dar Certo
- Família Vende Tudo
- De Pernas pro Ar
- Estamos Juntos
- Mamonas pra Sempre
- Amor?
- Todo Mundo Tem Problemas Sexuais
- Os 3
- Meu País
- Uma Professora Muito Maluquinha
- Bróder
- Lope
- As Doze Estrelas
- Malu de Bicicleta
- Rock Brasília – Era de Ouro
- Elvis & Madona
- Não Se Pode Viver Sem Amor
- Além da Estrada
- Desenrola
- A Antropóloga
- No Olho da Rua
- Jardim das Folhas Sagradas
- Bahêa Minha Vida
- Palavra Cantada

A mostra abriga, nos três andares expositivos do Itaú Cultural, aproximadamente 150 obras – entre pinturas, fotografias, instalações e vídeos – de 81 artistas. Os trabalhos foram escolhidos e organizados por cinco curadores – Fernando Cocchiarale, Lauro Cavalcanti, Moacir dos Anjos, Paulo Herkenhoff e Tadeu Chiarelli – que foram selecionados após uma pesquisa realizada pelo Centro de Documentação e Referência do Itaú Cultural, que levantou os dez nomes que mais participaram de exposições na última década. Desses, cinco foram convidados para realizar Caos e Efeito.

Fernando Cocchiarale – em cocuradoria de Pedro França – demonstra em seu recorte curatorial a crítica embutida nos processos de concepção, produção da obra e sua inserção no sistema artístico. O curador Lauro Cavalcanti e o cocurador Felipe Scovino optaram por contextualizar, historicamente, a construção de uma linguagem artística brasileira, cosmopolita e internacional.

Moacir dos Anjos, em parceria com a cocuradora Kiki Mazzucchelli, selecionou obras que enfatizam o cotidiano, rompendo hierarquias entre o terreno da produção artística e o âmbito em que se desenrola a vida comum. A tênue linha entre o documental e o ficcional é o fio condutor da curadoria de Tadeu Chiarelli, com assistência curatorial de Luiza Proença e Roberto Winter.

Por último, Paulo Herkenhoff e os cocuradores Cayo Honorato, Clarissa Diniz e Orlando Maneschy propõem um estado de “não pureza conceitual”, na qual se pode apontar nos trabalhos apresentados algumas perspectivas em comum, como a “libido intratável”, a ”deposição do sujeito como lugar de poder” e a “violentação política da violência”.

 Serviço

Exposição Caos e Efeito
domingo 23 de outubro a sexta 23 de dezembro de 2011
terça a sexta 9h às 20h
sábado domingo feriado 11h às 20h
pisos 1, -1 e -2
[pisos 1 e -1: indicado para todas as idades, piso -2: indicado para maiores de 18 anos]

Cavalo de Tróia
Fernando Cocchiarale com Pedro França

Eu Como Eu
Lauro Cavalcanti com Felipe Scovino

As ruas e as bobagens
Moacir dos Anjos com Kiki Mazzucchelli

Contra-pensamento Selvagem
Paulo Herkenhoff com Cayo Honorato, Clarissa Diniz e Orlando Maneschy

Projetar o passado; recuperar o futuro
Tadeu Chiarelli com Luiza Proença e Roberto Winter 

Performances
domingo 23 de outubro

Que corpo é esse
com Mariana Marcassa
às 12h
piso -2
[indicado para maiores de 18 anos]

Democracia Chupando Melancia
com Daniel Santiago
às 12h35
piso térreo
[indicado para todas as idades]

Grupo Solange, tô aberta!
Convidado – Paulo Belzebitchy
às 18h
Sala Vermelha
[indicado para maiores de 18 anos]

Falas de Artista
domingo 23 de outubro
a partir das 13h
arena 

Oriana Duarte
Usei Meu Corpo

Yuri Firmeza, Jonnata Doll e Miguel Bezerra
Investidores, Correntistas e Artistas

Wolder Wallace
Até Onde Vai Meu Medo

Lourival Cuquinha
Chuva de Prata

Armando Queiroz
Rebotalho

Solon Ribeiro
Sem Título

Jayme Fygura
Sem Título

entrada franca

Galeria de Imagens

A exposição vai utilizar a arquitetura do MASP como base para o graffiti, fotografia, vídeo, escultura, pintura, muralismo, colagem e instalações.

A curadoria foi especialmente cuidadosa na escolha e no desenvolvimento de cada projeto de cada artista. Destaque em seus países e com reconhecimento internacional, são artistas multimídia que transitam por diferentes linguagens: instalações, pintura, animação, escultura ou desenho. “Convidamos artistas capazes de expandir a experiência do público para além da plasticidade nessa exposição. Queríamos que o público pudesse aumentar sua participação e interação com a arte apresentada”, diz o curador Baixo Ribeiro.

Estão confirmados os franceses Remed, JR e Invader, o tcheco Point, os argentinos Tec, Defi e Chu e a norte-americana Swoon (veja perfis ao final do texto). Em São Paulo para desenvolver no MASP e nas vias próximas suas instalações e obras, os artistas ficam no mínimo até a abertura da exposição. Convidados especiais devem realizar intervenções durante o período da exposição.

Apresentação da mostra

A ideia de arte pública muda radicalmente. Há pouco São Paulo decidiu não mais aprovar a instalação de bustos nas praças públicas com a justificativa, acertada, de que esse tipo de “arte” pertence ao século XIX e nada acrescenta ao cenário urbano. Uma inesperada e bem-vinda decisão, que alimenta as esperanças de bom senso e aggiornamento no trato do poder público com a arte.

É nesse contexto de renovação da arte e das ideias sobre arte que a exposição DE DENTRO E DE FORA | INSIDE OUT OUTSIDE IN apresenta-se como mais uma incursão do MASP no terreno da arte urbana – convidada para vir outra vez ao museu. A experiência de 2009/2010 superou todas as expectativas. O público do MASP se renovou, os mais jovens se aproximaram e os outros também vieram. Alguns se surpreenderam, outros confirmaram suas preferências, todos gostaram. O fato é que todo museu deve abrir-se para as diferentes sensibilidades de seu tempo, não apenas para as já confirmadas.

Não se trata de disputar um espaço de exposição com a cidade, mas de criar as condições para que se renovem os modos de pensar e perceber arte neste século XXI. Aquilo que antes girava apenas na esfera dos iniciados agora se coloca ao alcance de novos públicos. E o que era quase invisível, embora se escancarasse nos muros da cidade, com iniciativas como esta apresenta-se sob o foco de um potente holofote. Algo se perde no processo, como sempre: no caso, uma certa (e em parte já superada) clandestinidade. Mas, muita outra coisa se ganha.

A exposição anterior foi com artistas brasileiros. Esta será com artistas que virão dos EUA, da França, da República Tcheca e da Argentina. O que se espera que seja o mesmo é o sentimento de redescoberta da diversidade.

O projeto De Dentro e de Fora (pelos curadores)

DE DENTRO E DE FORA traz oito artistas estrangeiros para residência de um mês, em média, em São Paulo. Cada artista vai criar obras de site specific, ou seja, diretamente nas paredes de madeira que serão construídas no Hall e Mezanino da Galeria Clemente de Faria, no MASP. Além das paredes, os artistas farão intervenções artísticas e obras também na parte externa ao Museu, no ambiente urbano. Pinturas murais, esculturas, instalações, colagens, objetos, fotografias, mapas, impressos, vídeos e animações serão as principais mídias usadas pelos artistas.

O trabalho é colaborativo e a obra de cada artista estará em diálogo direto com as dos outros. Não se trata de um festival ou uma mostra de trabalhos prontos, mas uma produção interdependente de trabalhos dentro do mesmo espaço expositivo.

Conceito:

A ideia central DE DENTRO E DE FORA é provocar no público a experiência de não saber onde está a arte. Ela pode estar em toda a parte, embaixo da escada, atrás do quadro ou dentro do buraco. Pode estar na sala de casa ou no meio da rua. Dentro ou fora do museu.

A exposição é uma experiência em si. Experimentamos o trabalho colaborativo, a participação do público em vários níveis, a instalação coletiva, o diálogo com a arquitetura de Lina Bo Bardi, com a paisagem urbana e a paisagem humana da cidade, experimentamos a conversa da arte com a vida paulistana.

A exposição propõe uma parceria com o público, que é convidado a passear dentro da obra feita de linguagens individuais que se contrapõem e formam uma obra-arquitetura única e penetrável. Obra que continua mesmo do lado de fora do museu, na rua, mesclando-se à cidade e a toda vida que acontece nela. O público acaba por sair do museu sem sair por inteiro da obra.

Os artistas:

A escolha dos artistas se baseou em dois critérios principais:

Identidade visual – Convidou-se artistas que fossem capazes de, juntos, criar uma forte identidade plástica e visual para a exposição. Queríamos que o público se sentisse dentro da exposição mesmo estando fora do museu, experimentando a sensação de ver a cidade se transformando em museu e o museu se abrindo para a cidade. Point, Remed, Tec, Defi e Chu são experientes em exposições de arte pública e participaram de exposições em museus do mundo todo. São especialistas em trabalhos colaborativos de grande escala, usando um cardápio extenso de mídias e técnicas para se apropriar de grandes espaços com pintura, muralismo, instalações, arte ambiente, projeção, vídeo-clipe / TV, escultura / mobiliário urbano, plataformas digitais etc. Esses artistas têm uma participação especial no programa educativo da exposição e estarão presentes em vários workshops com artistas brasileiros e o público (todos falam português quase fluente).

A exposição, convida ambém, artistas capazes de expandir a experiência do público para além da plasticidade. JR, ganhador do prêmio TED em 2010, tem já uma forte ligação com o Brasil onde apresentou, em 2009, intervenção nos Arcos da Lapa e no Morro Dona Marta (RJ) reproduzindo em grandes fotos coladas nas paredes das casas, os olhos das mulheres mais atuantes da comunidade. Swoon fez, em 2009, projeto no Haiti que consistia em construir abrigos a partir de uma técnica de adobe moldado em grandes sacos de plástico – feitos com participação da comunidade local, transformaram-se numa vila de casas-esculturas. Invader faz em São Paulo sua primeira invasion, que consiste em esconder diversas intervenções urbanas (algumas diminutas) e distribuir um mapa para serem encontradas.

Atividades paralelas durante o período da exposição*:

O projeto De Dentro e de Fora pretende oferecer, além da exposição em si, um amplo programa educativo, trazendo para o diálogo especialistas, leigos, professores, representantes do poder público, estudantes e um público amplo no seu espectro social. As principais ações já estão programadas:

Seminário “A arte, o museu e a cidade”, sobre arte pública, arte urbana, economia criativa e o futuro da cidade, com convidados das esferas artística, urbanística e da política pública. Dia 19 de setembro, no Grande Auditório do MASP.

Curso sobre arte urbana, história e contemporaneidade. Em parceria com a Escola do MASP, administrado pela equipe de curadores, em 12 aulas. De 5 de setembro a 3 de outubro de 2011.

Festival de Vídeos da Cultura Urbana, realizados no Pequeno Auditório do MASP, uma vez por mês (5 versões). A programação é focada em vídeos e filmes que se debruçam sobre a temática da arte urbana, cultura pop e outros assuntos correlatos. O Festival traça um panorama da produção audiovisual de uma geração, desde seus filmes mais midiáticos até os vídeos que são veiculados exclusivamente pela internet.

Mesas redondas em torno do Festival de Vídeos da Cultura Urbana com a participação de convidados da esfera artístico-cultural sobre assuntos relativos à cultura pop, como graffiti, arte urbana, skate, tatuagem e outros.

A partir de setembro, a artista Swoon retorna a São Paulo com equipe para mostrar uma série de esculturas-quiosques educativos, resultado das parcerias com diversas ONGs iniciadas em sua primeira estada em São Paulo, a partir de maio último.

Em 19 de setembro será lançado um guia para as pessoas encontrarem as obras que o artista Invader espalhou por São Paulo.

Seleção especial de livros com a temática da exposição, visitas orientadas, encontros do público com a curadoria e com os artistas, entre outras ações, estão sendo planejadas em parceria com a Biblioteca do MASP, bem como com o Setor Educativo do Museu.

Website participativo que explora tecnologias de ponta e as redes sociais. O visitante poderá participar mesmo à distância, opinar e se comunicar com outros visitantes através do site e das páginas associadas à exposição que dispomos nas principais redes sociais.

* Os detalhes de cada atividade serão divulgados à medida que forem confirmados os participantes, datas e horários.

PERFIL DOS ARTISTAS:

CHU (http://www.studiochu.tv/)

Chu nasceu em Buenos Aires em 1974. Pinta murais, mas traz a tradição do desenho gráfico, com destaque para personagens quase infantis, além de atuação em vídeo e motion graphics. Seu Studio Chu trabalha em ilustração, desenhos com personagens e animação.

Chu foi influenciado pela cultura urbana e pelo skate. Estudou desenho gráfico, ilustração, serigrafia, fotografia e animação na Universidad de Buenos Aires, onde chegou a dar aulas por três anos. Em 1998, forma o coletivo multidisciplinar de experimentação DOMA com Mariano Barbieri, Matías Vigliano e Orillo Blandini. Em 2001, trabalha no The Locomotion Channel, em Miami. Lá, ganha mérito ao desenvolver uma nova imagem para o canal e se envolve com VJing formando, junto com David Navas, Walter Zamora e John Lum, o Undo Project. Em 2003, começa a produzir bonecos e fantoches dentro do coletivo DOMA, no projeto paralelo SAMBOtoys. Entre 2004 e 2006, dedica-se totalmente ao DOMA, realizando projetos comerciais e artísticos, como mostras e instalações em importantes museus e galerias do mundo todo. Hoje, Chu vive na Argentina e atua com os projetos www.doma.tv, www.turbogaleria.com, www.sambotoys.com, www.globolab.tv.

DEFI (flickr.com/eldefi e http://www.lindokiller.com/)

O artista argentino vem da escola da arte urbana e do graffiti, mas seu traço colorido é rápido e caoticamente infantil. Lida com rolinhos e tinta acrílica, bem como com spray, lápis e giz e geralmente faz com que seus desenhos escapem da tela, num proposital “acidente” visual, numa explosão de cor.

Atualmente, faz esculturas e instalações com miniaturas de carros, pessoas, casas, criando dioramas que denotam pessoas em situações de risco, como uma tempestade iminente, um carro batido em uma árvore etc. Embora a maioria de seus trabalhos seja abstrata, também trabalha com desenhos de personagens e quase sempre se vê gatos, naves e polvos que circulam até mesmo pelo papel, em colagens. Defi participa de exposições internacionais desde 2005. Entre elas: Apart Gallery, em Londres, Rojo, na Itália, e o Saba Proyect, em Paris.

INVADER (http://www.space-invaders.com/)

Esse francês nascido em 1969 utiliza a técnica do mosaico e o jogo Space Invader como base de seu trabalho. O artista circula por diversas cidades do mundo executando e documentando suas “invasions”. Para isso, recria o mapa das cidades apontando todas as suas interferências como o roteiro de um jogo que envolve a geografia local. Em 1998, começou suas invasões em Paris e circulou por cerca de 31 cidades francesas e outras 22 só na Europa, mas já passou por Nova York, Toronto, Tokyo e Los Angeles, onde fez uma intervenção no letreiro de Hollywood, em 1999.

Em 2010, participou da mostra coletiva Viva La Revolución: A Dialogue With the Urban Landscape, no Museu de Arte Contemporânea de San Diego, Califórnia, onde usou o mapa da cidade e a tecnologia de rastreamento do GPS para desenhar o contorno de um ‘alien’ a partir das linhas formadas pelas ruas. O fato de trabalhar com gráficos de jogos antigos faz com que as imagens tenham baixa resolução e sejam facilmente destrinchadas em pixels que se transformam em mosaicos, em sua maioria de cerâmica, dando origem às suas obras públicas. Invader também trabalha no projeto “Rubikcubism”, ou fazer obras de arte a partir de cubos de Rubik, ou cubo mágico.

O artista já expos individualmente em Londres, Paris, Osaka, Melbourne e participou de exposições no Borusan Center for Culture and Arts em Istambul, Subliminal Projects em Los Angeles e do filme Exit Through the Gift Shop, de Banksy.

JR (http://www.jr-art.net/)

Os trabalhos do francês envolvem arte pública e fotografia e são exibidos livremente nas ruas, capturando a atenção de pessoas que não são as típicas visitantes de museus e galerias. Suas obras são uma mescla de arte e atitude, falam sobre compromisso, liberdade, identidade e limitações. Muitas vezes, seu trabalho é exposto sem autorização, numa intervenção que questiona, provoca reflexão e exibe mazelas em belos e grandes retratos.

Em 2006, JR lançou Portrait of a Generation com retratos de larga escala de “bandidos” suburbanos exibidos em bairros burgueses de Paris. A princípio ilegal, o projeto foi oficializado a partir do momento em que o Paris City Hall revestiu seu edifício com fotos do artista. No ano seguinte, JR foi responsável pela maior exposição ilegal até hoje – considerada impossível por especialistas: ao lado de Marco, ele exibiu retratos enormes de israelenses e palestinos, frente a frente, em oito cidades palestinas e israelenses, na exposição Face 2 Face.

Entre outros trabalhos, JR ganhou o TED Prize em 2011 e criou o Inside Out Project, com o objetivo de desenvolver um projeto de arte participativa em grande escala que transforma mensagens pessoais em elementos de uma grande obra (http://www.insideoutproject.net/). Além disso, JR criou o Pervasive Art que toma de assalto, com suas grandes fotos protagonizadas por indivíduos comuns, os prédios e favelas na França e no Brasil, nos muros do Oriente Médio e nas pontes quebradas da África.

POINT (www.onepoint.cz)

Nascido na República Tcheca, Point é conhecido como pioneiro do graffiti em sua terra natal. Uma de suas características é o caráter agregador – Point procura sempre envolver a comunidade e outros artistas em seus projetos. É dele, por exemplo, a responsabilidade pela criação e execução do Names Fest, que reuniu diversos grandes nomes da street art em 2008 em Praga (Ash, Blu, Zezão, Sonik etc). Seu trabalho vem de uma tradição especifica do graffiti de artistas do centro da Europa, que tem origem no wild style com influência de vetor, design gráfico e design digital (3D). Por conta de suas experimentações, consegue fazer esculturas com a tipografia (escultura de letra). Em seus trabalhos, sempre escreve seu nome, mas é preciso apurar o olhar para enxergá-lo.

Atualmente, Point usufrui de um bunker antigo para desenvolver seus trabalhos ao lado de amigos também artistas. É nesse espaço que promove shows, exibições e intercâmbios entre artistas.

REMED (Remed.es)

Este muralista francês chamado Guilo tornou-se conhecido em meados de 2000 como Remed. Sua linguagem conversa muito com o design gráfico dos anos 70 e a art noveau além de desenvolver pesquisa em tipografia. Na maioria das vezes o resultado é figurativo complementado pelo uso de uma massa de cores pesadas em formas simples.

Segundo a novaiorquina Brooklynite Gallery, Remed é o tipo de artista que torna atual qualquer estilo tradicional. Experiente em trabalhar com pouco fluxo de tempo, Remed resolve quaisquer interações de cor de modo rápido e preciso. Ainda de acordo com a galeria nova-iorquina, o artista francês é capaz de manipular a língua inglesa com habilidade tipográfica formidável e um senso de estilo vigoroso.

SWOON (http://www.nola.com/arts/index.ssf/2011/06/street_artist_swoon_creates_se.html)

Californiana, Swoon mudou-se para Nova York aos 19 anos, onde estudou no Pratt Institute. Destaque no cenário da arte urbana contemporânea, conhecida desde 1999 por trabalhar com colagens de tamanho real em muros, além de xilogravuras. Utiliza muito papel impresso e pintado e suas obras têm grande parentesco com a técnica do estêncil, mas com aplicação invertida. Passa horas recortando papel com estilete, moldando madeira e papelão para dar origem a grandes instalações (ou cenografias). É também exímia pintora. Segundo o curador e crítico Carlo McCormick, o trabalho de Swoon reflete o sentido que cada um experimenta do mundo (Swoon – Graffiti Artist, 2010, publicado pela ABRAMS).

Membro do Justseeds Artist Cooperative, que comercializa arte pela internet e atrela essa iniciativa a atividades e causas sociais, Swoon é politizada e mobilizadora. Busca sempre atuar com um grupo grande de pessoas e seu espírito agregador move colegas artistas, engenheiros, arquitetos. Em 2008, no México, conheceu as histórias de garotas seqüestradas e estupradas na fronteira com os Estados Unidos, o queacabou gerando uma instalação com ares de memorial de uma das vítimas, proporcionando uma discussão social sobre os crimes. Também em 2008, outro de seus projetos agregadores foi uma parada de barcos construídos com materiais descartados. A performance levou um grupo de jovens a correr o Rio Hudson, em Nova York, e foi intitulada Swimming Cities of Switchback Sea. Em 2009, Swoon organizou uma performance similar durante a Bienal de Veneza, circulando pelos principais canais da cidade. Em 2010, esteve no Haiti após o terremoto com o propósito de desenvolver, com moradores de um vilarejo, alternativas para a construção de abrigos e residências adequadas ao clima (http://konbitshelter.org/). Recentemente, expôs na mostra coletiva Viva La Revolución: A Dialogue With the Urban Landscape, no Museu de Arte Contemporânea de San Diego, Califórnia.

TEC (www.tecalbum.com)

Nascido em Córdoba, Argentina, tem suas últimas pesquisas baseadas no desenvolvimento de esculturas biomecânicas. Foi influenciado pela cultura urbana, graffiti, viagens e bandas de rock. Como Chu, estudou desenho gráfico na Universidad de Buenos Aires. Complementou seus estudos com fotografia, serigrafia, animação e vídeo. Juntou-se ao coletivo FASE (www.mundofase.com).

Entre 2000 e 2005, Tec e o coletivo FASE trabalham com animação e editam uma revista homônima. Nesse momento, criam diversas intervenções públicas ao redor do mundo. Em 2005, FASE é convidado para participar do festival de Cinema de Berlim por seu curta-metragem animado FASE FUTBOL05. Depois dessa experiência, Tec concentra energias na produção plástica e arte pública. Em 2006, cria o inhospitalfriends (www.inhospitalfriends.com), uma série de desenhos animados numa linha conceitual que representa o ócio. Em 2007, participa da Berlin Planet Prosezz junto ao FASE. Sua última turnê, chamada Carne Tour, o levou, ao lado de FASE e DOMA, a renomadas galerias da Europa, como GKO Gallery, na Espanha, e ArtyFarty Gallery, na Alemanha. Hoje, Tec vive em Buenos Aires. http://www.flickr.com/people/tectec/

Serviço
MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand
Avenida Paulista, 1578.
Horários: De terças a domingos e feriados, das 11h às 18h. Às quintas-feiras: das 11h às 20h. A bilheteria fecha meia hora antes.
Ingressos: R$ 15,00. Estudante: R$ 7,00. Até 10 anos e acima de 60: livre.
Às terças-feiras: entrada gratuita.

A exposição é dividida em dois conjuntos: aquarelas e desenhos, feitos pelo artista na viagem ao Sul do Brasil, em 1827, na comitiva do imperador D. Pedro I, que percorreu os estados de São Paulo, Paraná, Santa Catarina e Rio Grande do Sul. O artista pintou belas marinas da costa sul brasileira, paisagens da mata nativa, índios, brancos e negros, em seu cotidiano, destacando-se as festas e as tradições populares. O segundo conjunto é composto por célebres aquarelas realizadas no Rio de Janeiro, que retratam a vida urbana na Corte, desde a pompa do Império até o dia-a-dia de escravos, seus hábitos, vestimentas, e os trabalhos por eles executados. Toda a crônica do cotidiano urbano da cidade, e de seus habitantes, transparece nas aquarelas do artista.

Debret é o mais conhecido dos artistas que compunham a Missão Artística Francesa. Sua obra fez a crônica da vida urbana no Brasil imperial, apresentando os tipos humanos, hábitos, costumes e festas populares, além de espetaculares paisagens da mata atlântica e de marinas que revelam a iconografia histórica do Brasil, num grupo de obras que poucas vezes itinerou pelo país.

As obras, que compõem a exposição Debret – viagem ao Sul do Brasil, foram adquiridas pelo mecenas Raymundo Ottoni de Castro Maya, em Paris, no final dos anos 1930, com o intuito de resgatar os originais de Debret, que haviam servido de base para o livro Viagem pitoresca e histórica ao Brasil, que o artista lançou na França. O colecionador também adquiriu um importante material inédito, que ficara de fora da publicação.

Segundo a curadora Anna Paola, as imagens do sul contrariam algumas das mais marcantes características do trabalho de Debret: a flagrante sensação de intimidade e proximidade com a cena retratada, que emana de suas aquarelas sobre o Rio de Janeiro. Nas cenas do sul, ao contrário, predominam as vistas ao longe, tomadas a partir de um ponto de observação distante e alto.

“Alguns historiadores acreditam que Debret não chegou realmente a empreender o deslocamento ao sul, tendo se utilizado de relatos e desenhos de outros viajantes para compor os trabalhos” explica a curadora. “Até o momento, não temos documentos que resolvam essa questão, mas pergunto: isso é o mais importante? A viagem de Debret ao sul pode até não ter sido física, revela-se, porém, como construção mental e artística de uma paisagem, de uma representação que a coloca indubitavelmente na categoria de viagem”, completa.

A produção da mostra está a cargo de Izabel Ferreira, da Memória Visual Produção Cultural, e é patrocinada pela Caixa Econômica Federal.

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Sobre Jean-Baptiste Debret

O artista nasceu em Paris, em uma família de artistas, sobrinho-neto do pintor e gravador François Boucher e primo de Jacques-Louis David, grande mestre do Neoclassismo. Estudou na Academia de Belas Artes e tornou-se um dos pintores oficiais do império francês, retratando as façanhas de Napoleão. Desgostoso com a morte de seu único filho e com a derrocada de Napoleão Bonaparte, o artista aceita participar da Missão Artística Francesa, que vem ao Brasil à convite de D. João VI.

Nos 15 anos passados no Brasil o artista retratou a vida urbana do Rio de Janeiro, o cotidiano da corte, desde as celebrações oficiais com desfiles militares até o dia-a-dia da damas, as vestimentas, seus hábitos e costumes, as tradições e festas populares, os escravos que tudo vendiam nas ruas da cidade, a bela arquitetura colonial e a floresta, a natureza luxuriosa da floresta atlântica brasileira.

FICHA TÉCNICA:
Curadoria: Anna Paola Baptista
Coordenação Geral: Izabel Ferreira
Design de Montagem: Anderson Eleotério
Programação Visual: Mauro Campello

SERVIÇO:
Exposição Debret – Viagem ao Sul do Brasil
Datas: de 4 de maio a 19 de junho de 2011
Horário de visitação: terça-feira a sábado, das 9h às 21h, e domingos e feriados das 10h às 21h
Local: CAIXA CULTURAL São Paulo (Paulista) – Conjunto Nacional – Av. Paulista, 2083 – Cerqueira César, São Paulo (SP) – Metrô Consolação
Informações, agendamento de visitas mediadas e translado (ônibus) para escolas públicas: (11) 3321-4400
Acesso para pessoas com necessidades especiais
Entrada: franca
Recomendação etária: livre
Patrocínio: Caixa Econômica Federal

O evento ocorre na sede do Itaú Cultural, em São Paulo, e conta com debates sobre a obra de Leonilson – o trabalho de manutenção e divulgação desse arquivo – e a apresentação dos espetáculos de dança O Tempo da Paixão ou O Desejo É um Lago Azul (2004), da Companhia da Arte Andanças de Fortaleza; e El Puerto (2006) e Dedicate (2010), de Marcos Sobrinho, todos eles inspirados na produção do homenageado.

Para as crianças, uma atração especial: na oficina de animação Click Play, elas aprendem a criar personagens em stop motion e produzir vídeos inspirados nas obras da exposição. As aulas acontecem todos os sábados, das 14h30 às 17h30. Para participar, é preciso fazer inscrição pelo telefone 2168 1876, a partir de 14 de março.

A mostra também acontece fora do instituto. A partir do dia 20 de março, a Capela do Morumbi, em São Paulo, exibe uma instalação do artista. A obra foi montada em 1993 e não chegou a ser vista pelo autor, que faleceu pouco antes.
Sob o Peso dos Meus Amores tem curadoria do pesquisador Bitu Cassundé e de Ricardo Resende, consultor e colaborador do Projeto Leonilson – entidade responsável pela catalogação e manutenção das obras do artista. A parceria entre o Itaú Cultural e o projeto já tem mais de uma década: nesse período, o instituto ofereceu suporte para a digitalização de mais de 3 mil itens, entre correspondências, anotações, desenhos etc.

Sob o Peso dos Meus Amores – Leonilson
quinta 17 de março a domingo 29 de maio
terça a sexta 9h às 20h
sábado domingo feriado 11h às 20h
itaú cultural – pisos 1, 1S e 2S

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