O elenco conta com James Franco, John Lithgow e Andy Serkis, entre outros; Rupert Wyatt (O Escapista) é o diretor.

A Weta Digital, a empresa de efeitos visuais por trás de produções como Avatar vai dar vida aos macacos desenvolvidos.

A história, que se passa em São Francisco, mostra um cientista que lidera experimentos para criar um macaco mais inteligente, o que resultará na guerra pela superioridade das espécies.

Justice – Civilization

Seria o gênio criativo de Charles Schulz fruto de seus traumas psicológicos? Sem dúvida, o Schulz retratado em Good Grief (1989), a biografia autorizada escrita por Rheta Grimsley Johnson, era um poço de ressentimentos e fobias que, ao que tudo indica, devem-se a traumas vividos na juventude: a incapacidade de ser popular na escola, a magreza e as espinhas, a rejeição de seus desenhos para o anuário escolar, a morte da mãe às vésperas da incorporação de Shulz ao exército, a recusa de um pedido de casamento por parte da garotinha ruiva e por aí vai.

O homem que se tornou o quadrinista mais amado do mundo se mostrava cada vez mais inclinado à depressão e ao mais amargo isolamento. (“Fico gelado só de ouvir falar em hotéis”, ele disse a Grimsley.) Embora tenha deixado Minnesota, sua terra natal, ele reconstruiu algumas de suas boas lembranças na Califórnia, como um rinque de patinação com um bar chamado “O Cachorrinho Fofo”. Já na década de 1970, Schulz se mostrava relutante até mesmo para subir em um avião caso não houvesse nenhum familiar com ele. Eis aqui – diria um psicólogo de fim de semana – um caso clássico em que uma patologia é responsável pela produção de arte de qualidade: magoado pelos traumas da adolescência, nosso herói se refugiou de forma permanente no mundo infantil de Peanuts.

Mas e se Schulz tivesse se tornado vendedor de brinquedos, e não um quadrinista? Ele ainda assim teria uma vida de tamanho isolamento e turbulência emocional? Desconfio que não. Acho que, como vendedor de brinquedos, Schulz suportaria os dissabores de uma vida normal da mesma forma como sobreviveu aos anos de serviço militar. Faria o que fosse preciso para sustentar a família – imploraria ao médico por uma receita de Valium, beberia alguns drinques no bar do hotel.

Schulz não era artista por ser um sofredor. Ele sofria porque era um artista. O ato de privilegiar a arte sobre o conforto de uma vida normal – criar uma tira por dia ao longo de cinquenta anos e lidar com as duríssimas sequelas psicológicas que isso causa – é exatamente o oposto do que uma pessoa traumatizada faria. É o tipo de escolha que somente alguém que fosse um pilar de sanidade e força mental seria capaz de levar adiante. Se as tristezas vividas na infância parecem ser a “fonte” do brilhantismo que Schulz demonstrou mais tarde, é porque ele teve talento e presença de espírito para transformar tudo isso em humor. Quase todo mundo carrega alguma mágoa da época da juventude. O que torna a infância de Schulz especial não é o sofrimento, mas o fato de ele adorar quadrinhos desde muito cedo, ter talento para desenhar e ser o filho único de pais dedicados.

Isso não significa que o depressivo e fracassado Charlie Brown, a egoísta e sádica Lucy, o filosófico e excêntrico Linus e o obsessivo Schroeder (cujas ambições, colossais como a obra de Beethoven, realizam-se em um piano de brinquedo) não sejam todos avatares de Schulz. Porém, seu verdadeiro alter ego é Snoopy: o farsante multifacetado cuja liberdade de ação se baseia no fato de ele ser uma criatura adorável, o mestre dos disfarces que, apenas pelo prazer de ser capaz de fazê-lo, pode se transformar em um helicóptero, ou em um jogador de hóquei, ou no Cão Maioral e então, em um piscar de olhos, antes que seu virtuosismo faça você se sentir intimidado, voltar a ser o cachorrinho faminto querendo o seu jantar.

Na página 183 deste volume há uma tira em que Snoopy agarra o cobertor de Linus com os dentes, o faz girar várias vezes pelo ar e o manda para a estratosfera, para mais tarde pensar: “Sou o primeiro cachorro da história a enviar um ser humano para o espaço!” A tira provavelmente se refere à cadela espacial russa Laika, que entrou em órbita em novembro de 1957, mas também poderia servir para descrever este livro como um todo. Nos anos 60, Peanuts quebraria a lei da gravidade e alcançaria um nível de popularidade que nem de longe possuía algum precedente, abandonaria toda e qualquer pretensão de retratar crianças e animais de forma realista e chegaria à velocidade de escape estilística na qual um artista se liberta da sombra de qualquer precursor que não seja ele mesmo. O que levou a tira a alçar voos tão altos foi, acima de tudo, o personagem Snoopy. Os anos de 1957 e 1958, cuja produção é reunida neste volume, marcam a transformação de Snoopy de um cachorro de histórias em quadrinhos para o espírito livre que viria nos anos seguintes. São os anos em que seu focinho atinge o tamanho máximo, dobrando ou triplicando o comprimento original. Ele ainda solta pelos, brinca de ir pegar a bola, corre atrás de pássaros e lambe as pessoas sem nenhuma razão; no entanto, pela primeira vez, ele começa a fazer coisas que em geral não são associadas ao comportamento canino – ele sobe no piano de Schroeder e toca violino, veste um uniforme para jogar beisebol. Paralelamente, a personalidade de cada uma das crianças adquire os contornos a que estamos acostumados, e Schulz começa a explorar as sequências narrativas mais longas e as piadas que se tornariam a marca registrada de sua obra inovadora (o cobertor de Linus, a pipa de Charlie Brown, a rivalidade entre Lucy e Beethoven, o amigo por correspondência de Charlie Brown, os jogos de beisebol).

Uma das piadas mais tradicionais, que começou a ser tema de diversas tiras em 1958, é a decepção anual de Charlie Brown ao não receber nenhum cartão de dia dos namorados. No livro Peanuts: A Golden Celebration, publicado pouco depois de sua morte, Schulz conta uma história de dia dos namorados protagonizada por ele mesmo. Quando estava na primeira série, sua mãe o ajudou a confeccionar cartões para todos os colegas, para que ninguém ficasse ofendido por não ter ganhado nada; no entanto, ele ficou com vergonha de colocar todos eles na caixa localizada na frente da sala e os levou de volta para casa. À primeira vista, essa história remete a uma tira da página 97 deste livro: Charlie Brown espia por cima de uma cerca e vê uma piscina cheia de crianças felizes; depois disso, vai para casa e senta-se sozinho em um balde com água. Porém, ao contrário de Charlie Brown, Schulz tinha uma mãe presente – e a quem ele escolheu dar a cesta cheia de cartões.

É improvável que um garoto profundamente ressentido por não receber cartões do dia dos namorados desenhe tirinhas divertidas sobre o tema depois de crescido. (Uma criança assim – a associação imediata é R. Crumb –, em vez disso, desenharia uma caixa de cartões que se transformaria em uma parte específica da anatomia feminina que devoraria os cartões e depois o próprio artista.) Por trás daquilo que normalmente se comenta a respeito dos dissabores de Schulz durante a infância, existe um jovem que recebeu todo o amor paternal possível e imaginável. A proximidade de sua família lhe deu forças; essa proximidade o ajudou a se alienar do restante do mundo. O amor alimenta a arte, que alimenta o estranhamento, que alimenta o perdão: as dádivas que Schulz recebeu se transformaram no presente que ele nos deixou.

1985: Richard Nixon ainda é presidente dos Estados Unidos, os americanos venceram a guerra do Vietnã, o mundo está em convergência desenfreada para uma guerra nuclear (o relógio do fim do mundo começa a marchar para a meia-noite) e os super-heróis realmente existem. Quando um dos mais antigos e durões dos vigilantes mascarados, O Comediante, é assassinado, o sanguinário anti-herói Rorschach é o único a investigar. O que ele descobre é uma enorme conspiração, com detalhes tão complexos que é maior do que qualquer um poderia compreender, e com eventos que levará todo o time de vigilantes a encarar seu passado até os primeiros dias como mascarados.

Watchmen é o pai e a mãe das graphic novels de super-heróis. Originalmente concebida como uma repaginação em 12 partes dos velhos heróis da Charlton Comics, o projeto cresceu em proporções épicas.

A obra de Alan Moore e Dave Gibbons é tão festejada por ser a primeira história a tratar os super-heróis de maneira ‘séria’, considerando as implicações de suas ações sobre o mundo real. O detalhismo fanático de Moore e Gibbons – criando o Gunga Diner, uma rede fictícia de fast-food, e usando zeppelins como meio de transporte – é um espetáculo a parte neste mundo criado com inúmeras camadas, e altamente crível e real.

Apesar – e aqui corremos o risco de ir contra os fãs mais fervorosos – de possuir um desenvolvimento fraco de alguns elementos e personagens, Watchmen ainda é, mesmo depois de duas décadas um divisor de águas na historia das histórias em quarinhos e um exemplo excepcional do que é possível criar mesmo numa obra de massa. Sem dúvidas, uma obra de literatua (seja gráfica ou não) digna de muitas notas.

No Brasil, Watchmen foi lançado primeriramente em doze edições pela Editora Abril em 1999. Em 2005 a Via Lettera relançou a obra em quatro volumes, e em 2009, em função do advento da adaptação da obra em Watchmen – O Filme, a Panini relançou todo o trabalho naquela que chamou de edição definitiva.

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Com ação e humor para todas as idades, Megamente é uma obra confiante, que sabe dosar comédia para o publico mais linear até os aficionados por quadrinhos – expressão melhor do usar o infame termo geeks – mesclando caos e diversão de uma maneira bastante equilibrada.

Originalmente entitulado de Oobermind (Ubermente, ou seja, o cúmulo do superlativo) e com Robert Downey Jr. no papel título, Megamente tem início numa sequencia de flashback do protagonista, o grande super-vilão, cuja essência foi capturada com destreza por Will Farrell. Numa narrativa que parodia o arquétipo do super-homem, dois bebês são lançados em foguetes escapando de dois planetas em destruição. O privilegiado menino que se transformaria no herói de capa branca chamado Metro Man (voz original de Brad Pitt)  pousa numa mansão, e é adotado por pais ricos. O pequeno Megamente cai numa prisão para os mentalmente dotados. Sua eventual rivalidade com o garoto de ouro Metro Man começa na infância e continua por uma série de planos diabólicos que são frustrados na eterna tentativa do vilão azul conquistar a metrópole conhecida como Metro City.

Há uma repórter, é claro. – Rosane Rocha (Roxanne Ritchi , voz original de Tina Fey) da KMPC Notícias 8 – que é acompanhada pelo cameraman Hal Stewart (voz original de Jonah Hill). Ele não é nenhum Jimmy Olsen, mas tem uma queda pela repórter. Quando os dois cobrem a abertura do Museu Metro Man, a pedante garota é sequestrada (‘Alguém poderia marcar meu cartão fidelidade de sequestros?’ resmunga a paródia de Lois Lane) numa emboscada típica do Coiote e do Papa-Léguas, Metro Man  parece ter sido finalmente derrotado.

Sem seu rival, Megamente e seu guardião/assistente chamado simplesmente de Criado (Minion no original, com voz de David Cross) estão livres para dominar a cidade. Mas quando tudo perde a graça, ele resolve criar um novo super-heroi para ser o yin do seu yang. O que desastrosamente não dá certo, entre esses probleminhas e o fato de até mesmo se apaixonar, o querido vilão se vê na posição em que ele próprio deve se tornar o herói.

A fórmula de se fazer comédia como se fosse improviso e destilar sutis críticas sociais em meio ao turbilhão de risadas, não é nova, e Megamente tem o que pode-se chamar de humor físico, com piadas ruidozas que levam o espectador a gargalhadas. Mas parte do humor é de uma sutileza sublime, principalmente quando os personagens satirizam suas próprias piadas (Megamente diz que certo humor não tem profundidade). A caracterização do Criado – um robô/gorila com uma cabeça de peixe num aquário – faz uma óbvia referencia ao personagem titulo do filme tipo ‘Z’, Monstro Robô de 1953, e o horrendo Hal Stewart aparentemente foi batizado como nome de dois Lanternas Verdes: Hal Jordan e John Stewart.

Fica claro, então, que existe algo para todos os gostos neste conto de redenção, comédia , romance e um tributo bastante afetivo à cultura pop. Ao que se pode apenas adicionar: ‘Excelsior!’
Veja o trailer:

Galeria de Imagens

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Instrumentos sintéticos são divertidos, e nunca foram tão usados desde os anos 80. Mas tem algo que mesmo os simuladores ou algorítmos mais complexos ainda não conseguiram emular: a alma de um som orgânico.

A incerteza ao puxar a corda de um violão com mais força ou bater num tambor com uma baqueta diferente… É fascinante. Cada som, resultado de uma cadeia inimaginável de reações físicas, traz a mágica presença de uma entidade além do músico. Traz a espontaneidade da própria natureza em sua imensidão.

É na minúcia de cada ruído e na curiosidade do experimentalismo que um bando de gente esquisita nos Estados Unidos buscou na música orgânica e acústica a liberdade uma vez perdida nos milionários estúdios musicais, entre compressores, equalizadores, filtros e paredes de racks de processadores de áudio.

E o termo Freak Folk (Folk Doido, tradução livre) não é exagero. Uma rápida busca pelos nomes da cena vão apontar com quase sempre para Devendra Banhart.

Devendra Banhart

O segundo disco de Banhart: Oh Me Oh My (2002) chamou atenção, e em 2004 o Rejoincing in the Hands definitivamente o fez ficar conhecido como fundador do Freak Folk.
Banhart traz uma aura hippie consigo. É carismático mas tem um ar maluco, que torna sua música interessante e surpreendente.
Mas ninguém faz um movimento musical sozinho. Banhart preparou caminho pra muita gente, boa parte era de amigos pessoais como Joanna Newsom, Noah Georgeson, Jana Hunter, entre outros.

Essa turma de gente é essencialmente acústica. Com violões e tambores. O próprio Banhart refere-se à sua música como “naturalismo”.

Cripple Crow - Banhart e seus amigos

Todo essa coisa orgânica inspirou muita gente. E como a lei era experimentar e se divertir com o resultado, não demoraria muito para que algo revolucionário acontecesse, saindo da bolha naturalista.

Como na música as coisas estão todas conectadas, a explosão de música eletrônica de 2007 acabou afetando todo tipo de gente inclusive uma banda de Nova Iorque que fazia freak folk mas procurava seu lugar no mundo: Animal Collective.

Foi em meados do mesmo 2007 que Noah Lennox e seus amigos resolveram adicionar sintetizadores e efeitos psicodélicos ao seu folk. Amadureceram a mistura no ano seguinte e no começo de 2009 o mundo ouviu Merryweather Post Pavillion, um dos disco mais importantes da década.

Merryweather Post Pavillion

A música não tinha mais o ar naturalista, mas os fundamentos freak folk prepararam o lugar onde os sintetizadores se encaixariam. E apesar de simples, os efeitos nunca tinham sido usados de forma hipnótica mas tão melódica.
O exagero na produção, tudo passando por muitos efeitos, é uma constante referência à psicodelia como forma de inspiração e expressão.

O disco foi um absoluto sucesso de público e crítica e levou o Animal Collective rapidamente ao posto de uma das melhores bandas atuais.
Outras bandas novaiorquinas como Yeasayer e Here We Go Magic vieram em seguida estendendo o estilo único, simplesmente classificado como experimental ou psicodélico.

Remember, remember the 5th of November,…

V de Vingança é uma das tramas mais complexas da história das graphic novels. O trabalho consiste em retratar uma figura misteriosa e anárquica numa guerra contra um governo totalitário. A história tem como base uma Grã-Bretanha pós apocalíptica, que sucumbiu à uma liderança fascista.

V, uma entidade sempre fantasiada como Guy Fawkes (um católico extremista, que no século XVII foi executado por tramar um atentado contra o parlamento Inglês), ataca o regime existente, destruindo monumentos simbólicos de Londres, matando figuras do alto escalão envolvidas com a situação corrente e manipula a TV estatal para disseminar suas mensagens para o povo. Suas ações provocam uma reação em cadeia e a polícia se vê perdida na investigação sobre o tal ‘terrorista’.

As sub-tramas apresentam diversos personagens e suas conexões com o governo. Como o início da ruína do governo, é possível identificar as diversas facções de poder dentro do mesmo regime. Evey Hammond a protagonista feminina, é resgatada por V logo no início da história. E é a partir desta personagem que o leitor passa a saber mais sobre V, e a entender, e questionar suas motivações.

V de Vingança é um dos vários trabalhos de Alan Moore que buscam uma aproximação não convencional com o herói fantasiado dos quadrinhos  – algo que mais tarde ele iria explorar mais detalhadamente em Watchmen. Ao mesmo tempo que mantêm algumas convenções do gênero, Moore se divertiu introduzindo temas adultos, explorando a logística do super-herói e examinando os motivos de um justiceiro. Em V de Vingança, Moore e o artista David Lloyd rejeitam o ideal simplista dos quadrinhos convencionais com seus ‘heróis versus vilões’ em favor de uma historia com uma moralidade ambígua que culmina numa anarquia contra um estado fascista. Mesmo o fato de vestir o herói com uma fantasia – algo arcaico para alguns – tem sua validade.  Muito alem de apenas proteger sua anonimidade, a figura de V provoca choque e medo nos cidadãos de um pais devoto a teatricalidade.

Com sofisticação, a arte em preto e branco de David Lloyd  rompem radicalmente com o estilo vigente na época de seu lançamento (1982), dando ao livro uma característica mais naturalista. Quando foi serializada pela revista Warrior em sua primeira versão, foi publicada em preto e branco, mas cor foi acrescentada na versão lançada pela DC Comics em 1988. Alguns aceitam, outros não. O fato é que as cores deram outra intensidade à história, mas sem retirar a atmosfera quase macabra da criação original de Lloyd.

Para a maioria, Watchmen é a obra prima de Alan Moore, entretanto V de Vingnaça se mantêm como uma peça poderosa de narrativa e uma obra essencial de ficção.

No Brasil, a editora Globo lançou em 1989 V de Vingança agrupada em cinco edições na versão colorida. Dez anos depois, a Via Lettera relançou a obra em dois volumes, em preto e branco, com nova tradução e contendo um glossário de referências e citações empregadas pelos autores. Os dois volumes ainda podem ser encontrados em livrarias ou Comic Shops. Em 2005 uma adaptação para o cinema foi lançada sob produção dos irmãos Andy e Larry Wachowski.

Leia um trecho de V de Vingança:

Esta aventura foi o primeiro filme produzido pelo Studio Ghibli , com Hayao Miyazaki e seu parceiro de longa data Isao Takahata, unindo-se pra criar um time capaz de realizar animações dos mais elevados níveis.  E, definitivamente Laputa: Castle in the Sky (天空の城ラピュタ, Tenkū no Shiro Rapyuta) conseguiu imprimir as credenciais  do recém-nascido estúdio. As pinturas dos planos de fundo, sempre um ponto alto da Ghibli, são soberbos, a animação é dinâmica e limpa, e o design e intrigante e engajado.  Miyazaki adora criar máquinas retrô, engrenagens que poderiam ter existido  nos primeiros anos da era industrial a vapor e das máquinas voadoras.  Sua paixão por tecnologia analógica  e mostrada no filme num maravilhoso desfile de invenções. Desde as bombásticas naves de guerra do governo, as estranhas máquinas dos piratas ate o belo glider que leva Pazu ate seu sonho, são todos extremamente mágicos e tão convincentes, que somos capazes de desejá-los, transformando a  produção num filme de crianças grandes com brinquedos gigantes.

O roteiro de Laputa se inspira igualmente em Robert Louis Stevenson e Jonathan Swift – Laputa é um lugar que existe em As Viagens de Gulliver, e o órfão fugindo dos piratas e o ponto inicial de A ilha do tesouro. E, como e de praxe no Studio Ghibli, a trama mostra a figura feminina como pilar de forca. Sheeta, a garota que cai do céu, se mostra inicialmente como a garota do interior, tímida e amedrontada, privada de tudo que ama e assustada pela própria sombra , mas se descobre como a princesa capaz de transcender seus ancestrais se dispondo a morrer para salvar pessoas que nem conhece. Ma Dola, a rainha pirata que esconde um coração mole numa concha de aço, é um retrato da mulher forte, inteligente porém afetuosa. As mulheres da vila de Pazu são decididas e extremamente capazes de lidar com sua lutas. As famílias dos mineiros também são retratadas com muita emoção. Miyazaki foi a Wales para desenhar cenas de mineiros durante a greve de 1985-85, e colocou toda sua admiração pela sua luta e senso de comunidade no filme, assim como suas gloriosas montanhas e seus minúsculos e belos vilarejos.

A trilha sonora original feita por Joe Hisaishi é uma grande aventura orquestral andando lado a lado com clássicos como Korngold e Hermann. Hisaishi refez inclusive, toda a trilha para a versão americana do filme, que possui Mark Hamill, James van der Beek e Anna Paquin como dubladores, tamanha a importância que a própria Disney (que distribui o filme) deu a produção. Mesmo eles, sabem reconhecer o mestre Miyazaki e o feito criativo que é o Studio Ghibli.

Laputa: Castle in the Sky nunca foi lançado no Brasil.

Confira o trailer de Laputa: Castle in the Sky:

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Ficha Técnica

Titulo: Laputa: Castle in the Sky
Titulo Original: Laputa: Castle in the Sky (天空の城ラピュタ, Tenkū no Shiro Rapyuta)
Direção: Hayao Miyazaki
Produção: Isao Takahata
Roteiro: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Ano de Lancamento: 1986
País: Japão
Gênero: Animação/Aventura/Fantasia
Estúdio: Studio Ghibli
Duração: 126  min.

Buscando inspiração na cultura pop, Tim Burton,  reinventou a maneira de se fazer filmes como a expressão de um visão pessoal, conquistando ao longo de sua carreira, um legião de fãs por todo o mundo e influenciando toda uma geração de novos artistas ligados ao cinema, vídeo e artes gráficas. A exposição do MoMA busca explorar toda a esfera de seu trabalho criativo, traçando uma linha de sua imaginação visual desde os desenhos da infância até seus trabalhos mais maduros em seus filmes. Reúne mais de 700 exemplos de desenhos nunca vistos, pinturas, fotografias, motions, artes conceituais, storyboards, bonecos, maquetes, figurinos, e pequenos takes de filmes como Edward Mãos de Tesoura, O Estranho Mundo de Jack, Batman, Marte Ataca!, Ed Wood, e Beetlejuice – Os fantasmas se divertem e de trabalhos não realizados e pequenos projetos pessoais que revelam seu talento como artista, ilustrador, fotógrafo e escritor que trabalha no espírito do Surrealismo Pop.  A exposição também apresenta uma retrospectiva completa das produções cinematográficas e  de Burton, assim como de seus curtas.

Confira alguns trabalhos presentes na exposição de Tim Burton:

A Filmografia de Tim Burton Inclui:

Vincent (1982)
Pee-wee’s Big Adventure (1985)
Os Fantasmas se divertem – Beetlejuice (1988)
Batman – Batman (1989)
Edward Mãos de Tesoura - Edward Scissorhands (1990)
Batman,  Retorno – Batman Returns (1992)
O estranho mundo de Jack - The Nightmare Before Christmas (1993)
Ed Wood – Ed Wood (1994)
Marte Ataca! – Mars Attacks! (1996)
A lenda do Cavaleiro sem Cabeça – Sleepy Hollow (1999),
Peixe Gande e suas Histórias Maravilhosas - Big Fish (2003)
A Noiva Cadáver – Corpse Bride (2005)
A Fantástica  Fábrica de Chocolate – Charlie and the Chocolate Factory (2005)
Sweeney Todd – O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet -  Sweeney Todd (2007)
9 -A salvação - 9 (2009)
Alice nos País das Maravilhas – Alice in Wonderland (2010)