Quase 50 anos após sua morte, o júri ainda discute a qualidade e a capacidade de atuar de Marilyn Monroe. Esta luta para ver o talento acima da celebridade é tão comum que o dilema dura até hoje com atores como George Clooney ou Jennifer Anniston. A questão sobre o que é maior, o talento de Marilyn Monroe ou sua condição de celebridade, está em jogo em todo Sete Dias com Marilyn, uma adaptação das memórias de Colin Clark. Clark era uma ajudante de produção no set de seus filme de 1957, O Príncipe e Showgirl.

Apesar de sua condição de celebridade não aproximar-se do ícone que retrata, também não há dúvida quanto ao calibre do talento atriz Michelle Williams. Em Sete Dias com Marilyn, Williams dá uma aura etérea e um desempenho digno da figura de Monroe.

O filme começa com um número, uma abertura com o desempenho Monroe de hit de Irving Berlin, There’s No Business Like Show Business. Não demora muito se cair de quatro pela sedução de Williams, uma sedução que Monroe, sem dúvida, levou com ela para todos os lugares que foi. A partir deste momento, o filme se apresenta como um jogo de antecipação, onde aguardamos ansiosamente sua próxima aparição na tela, o enunciado seguinte de sua clássica risada. Uma fala sobre Monroe no filme é igualmente aplicável ao desempenho de Michelle Williams: “Quando Marilyn aparece, você simplesmente não quer olhar para mais ninguém.”

O joven Colin Clark (Eddie Redmayne) narra Sete Dias com Marilyn com a ânsia dos 23 anos, faminto por cinema, que implora por um emprego aos pés de Laurence Olivier (Kenneth Branagh). Essencialmente um estagiário, Clark leva recados pelo set de O Príncipe e  Showgirl, fazendo paradas freqüentes para flertar com a menina do guarda-roupas, Lucy, interpretada por uma esquecível Emma Watson. Não demorou muito para Clark esquecer a pobre Lucy e tornar-se previsívelmente atingido e envolvido pela presença de Monroe, depois de sua chegada à Inglaterra logo depois de se casar com o dramaturgo Arthur Miller. O filme é energizado quando Williams desce escadas do avião, reencenando a infame chegada de Monroe em 1956. Dali em diante, assistimos a luta de Monroe para lembrar suas marcas e falas, desesperadamente tentando encontrar seu lugar na produção do filme. Por sua vez, assistimos a um desempenho louvável de Branagh e de como ele mostra a impaciência e indignação de Olivier com sua incapacidade como atriz.

Durante a segunda metade do filme, baseado nas memórias de Clark, Williams não só capta a essência iluminda de Monroe, mas também sua instabilidade e imprevisibilidade. Clark compartilha sua experiência a partir da semana mais selvagem qualquer rapaz pode querer, uma experiência romântica com a mulher mais famosa do mundo. Monroe procura amor em quem irá fornecê-lo, implorando para que acreditem em suas qualidades. Tem-se pena da estrela e de como ela é humanizada – como uma difusora perdida a procura um lar acolhedor, sendo sedada durante gemidos e explosões. Isso torna mais fácil entender por que as coisas foram terrivelmente ladeira abaixo para a loira poucos anos mais tarde.

Faltando o drama explosivo ou qualquer suspense real, Sete Dias com Marilyn apresenta mais um belo desempenho da Williams do que uma exibição sólida da arte cinema. Apesar de divertido às vezes, e certamente informativo pois lança nova luz sobre um outro lado de Marilyn, é assustador pensar que  desastre este filme teria sido sem o brilho de Michelle Williams. Em vez disso, graças a ela (e Branagh), o filme será mencionado várias vezes na categoria de melhor desempenho de uma atriz por muito tempo. Além disso, Sete Dias com Marilyn sugere que o melhor personagem, e mais o convincente que Monroe interpretou foi ela mesma.

Avaliação: ★★★

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Baseado no roteiro do primeiro e terceiro jogo, Silent Hill (1999 – PSX) e Silent Hill 3 (PS2 e PC), trás Heath e Harry Mason como personagens principais (os mesmos dos jogos). No roteiro, Harry e Heath continuam fugindo das terríveis maldições que insistem em lhes perseguir, e a situação piora no 18º aniversário de Heath, seu pai desaparece e heverá uma grande revelação sobre sua existência.

Silent Hill é um dos melhores jogos de terror psicológico da história e com roteiros muito bem elaborados, no primeiro filme foi possível entender o universo amplo do enredo, o segundo filme pode vir a colocar algumas questões do jogo e explicações que ficaram em aberto do primeiro filme.

O filme Silent Hill: Revelation, será dirigido por Michael J. Bassett, terá no elenco os membros do filme original Sean Bean (O Senhor dos Anéis, Game of Thrones), Deborah Kara Unger (88 Minutos, The Samaritan) e Radha Mitchell (Chamas da Vingança, A Epidemia). Além dos rostos já conhecidos pelos fãs, estrelam também o longa Adelaide Clemens (X-Men Origens, No One Lives), Kit Harington (Game Of Thrones), Carrie-Anne Moss (Matrix, Paranóia) e Malcolm McDowell (Laranja Mecânica).

O filme ainda não tem data de estréia.

Divorciada e com a sua série literária (Waverly Prep) chegando ao fim, Mavis é empurrada para a beira do precipicio quando recebe a notícia do nascimento da filha do seu primeiro amor. A garota egoísta, ou como ela é chamada por uma ex-colega de classe, a “rainha do baile psicótica”, retorna à sua cidade natal, Mercury, Minnesota, para reconquistar seu namorado do colegial, Buddy Slade (Patrick Wilson, adequadamente sem graça).

Charlize Theron provou em seu papel premiado com o Oscar em Monster que pode interpretar bem, estando feia ou bonita, e aqui ela demonstra que a transformação, por Mavis é uma bagunça que quando não está tentando seduzir Buddy, leva um dia inteiro na preparação da beleza com manicures, pedicures, apliques de cabelo e trajes fora de proprósito. Mavis é sexy e inteligente, mas é também indiferente e cruel, e Theron abraça tudo, empurrando para a inevitável humilhação na frente de toos. Não se pode evitar o fato, e como resultado, finalmente, vê-se a real personagem revelada.

Antes de Mavis se encontrar com Buddy, porém, ela cruza o caminho de Matt Freehauf (Patton Oswalt), um outro colega de colégio que ainda usa uma bengala devido aos ferimentos que sofreu em uma surra que tomou como um adolescente por ser gay (o que na verdade ele não é).  Embora ele esteja agora, assim como antes, então, o extremo oposto da hierarquia de popularidade, sua atitude cínica é a mesma de Mavis, e assim eles acabam dividindo mais do que imaginam.

Apesar da forte tentativa de dissuasão de Matt, Mavis continua com seu plano de destruir o casamento do ex-namorado, o que culmina em um colapso épico sob os olhos de toda cidade. Momento de mudança, certo? Não é bem assim. Aqui se vê a mão do diretor de Juno Jason Reitman, e da roteirista premiada com o Oscar, Diablo Cody num refrescante favorecimento do azedo sobre o doce (com um diálogo que é tão sarcástico quanto inovador, mas sem toda a bobagem da cultura pop): Mavis encontra certa redenção em uma conversa  cheia de vitalidade com um tema inesperado vindo da irmã de Matt, Sandra (Collette Wolfe, em uma pequena, mas notável participação), mas seu final é mais adequado e real do que qualquer final de Hollywood.

Avaliação: ★★★

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Dez anos se passaram após o final do primeiro “Fúria“, e Sam Worthington está de volta como o  semideus Perseu, filho de Zeus (Liam Neeson), que reina no Monte Olimpo como o líder dos deuses. Depois de ter recusado a oferta de seu pai para governar ao seu lado, Perseu e sua esposa, Io (Gemma Arterton no filme anterior), escolheram viver suas vidas como seres humanos em uma humilde aldeia de pescadores à beira-mar. Io morreu ao ter um filho de Perseu, Helius (John Bell).

Zeus aparece par Perseu uma noite com um terrível aviso e um pedido de ajuda para humanidade. A crença nos deuses está diminuindo, e com ele o seus poderes e imortalidade. O irmão distante de Zeus, Hades (Ralph Fiennes), deus do submundo, aproveitou a oportunidade para abrir o Tártaro, a prisão dos poderosoas Titãs , e libertou o gigante mamute de lava, Cronos, pai de Zeus e Hades, bem como de Poseidon. Assim, Perseu deve empunhar sua espada novamente e descobrir como entrar no Tártaro e parar Hades antes que todo o inferno literalmente exploda. É uma boa configuração. Então, então o que deu errado? (Mais uma vez?)

Perseu e Zeus não compartilham o mais quente dos vínculos familiares e a presença filho Perseus é tão leve e breve que nos esquecemos que ele existe até que ele seja mantido como refém no ato final. Então, muito parecido com o filme anterior, não existe nenhum peso emocional nas relações entre os personagens, o que deixa terríveis perspectivas, já que a própria humanidade está em perigo. Isto é parcialmente culpa do roteiro, mas há também Sam Worthington, que, embora esteja atlético o suficiente, ainda precisa de carisma e profundidade necessárias para um homem de liderança no espetáculo de ação. Existe até um interesse romântico, mas dane-se se o público. É tudo raso ao ridículo.

O que é ainda mais prejudicial é que o filme parece ter um grande desequilíbrio na forma como o orçamento foi alocado. A esta altura tende-se a esperar que os efeitos especiais em um filme como esse sejam muito bons. E eles são. O gigantesco Cronos possui um incrível senso de escala que é raramente visto tão bonito que pode tirar o fôlego, tudo como deveria ser. Mas em cada disparo do gigante, em cada movimento de câmera varrendo o escuro submundo, os domínios de Hades, há um close-up sem afinação, que aparentemente foi filmado no canto de um estúdio barato. É como se cenas de um filme com ótima aparência e um com uma aparência horrível tenham sido unidos na edição, resultando em uma desconexão leva um filme que poderia ser retumbante aos limites da medíocridade.

A falta de propriedade e o sentimento geral de “mais do mesmo” transformam a idéia dos filmes dos Titãs em um titã para idiotas.  Como nota final, se você ainda for assistir, nesses tempos de 3D, saiba que a tecnologi não acrescenta nada ao processo, então poupe seu dinheiro e vá para a versão 2D.

Avaliação: ★★

Veja o trailer de Fúria de Titãs 2:

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2011 foi particularmene um ano bom para Michael Fassbender. De sua recente entrada na franquia X-Men sucesso aos papéis de época em filmes como Jane Eyre e Um método perigoso, o ator irlandês-alemão continuou a impressionar os críticos e o público. E isso não é apenas um acaso. Fassbender é um ator extremamente talentoso e bonito, cuja presença na tela se encaixa perfeitamente em tanto em filmes de ação quanto no cinema mais experimental. Este segundo ponto foi levado em consideração no segundo filme do ex-ator e agora diretor Steve McQueen, Shame. McQueen e Fassbender trabalharam juntos anteriormente na impressionante estréiado diretor, Hunger de 2008, e os dois têm pelo menos mais um filme em desenvolvimento juntos. Shame oferece mais uma prova de que esta relação continua a ser proveitosa para ambos.

O tema central da Shame é o mundo yuppie da Manhattan corporativa. Fassbender interpreta Brandon, um empregado de uma agência de publicidade e cuja existência gira em torno de sexo aleatório e filmes de pornografia. Não há limites na vida de Brandon, até o dia em que ele chega no trabalho e vê seu mundo desabar quando seu computador passa por uma vrificação de rotina e revela um disco rígido repleto de pornografia. A vida robotizada de Brandon é, a partir daí colocada em questão.

Não há sensualidade envolvida no desejo sexual. Para Brandon, sexo é apenas mais uma função corporal, como comer ou dormir (ambos dos quais ele faz muito pouco), em vez de uma expressão de desejo. As câmeras de McQueen absorvem tudo isso, dando ao filme a sua classificação adulta, embora, é claro, se isso fosse a violência em vez de nudez e sexo simulado, o filme teria, provavelmente, uma classsificação menor. Nas cenas de abertura do filme, vê-se o traseiro e pênis de Fassbender várias vezes enquanto ele caminha para lá e para cá em frente à uma câmera estacionária após uma noite de sexo. A sequência é um tanto explícita e mundana, já que ele entra no banheiro e urina no vaso sanitário, algo que raramente se vê nos filme e que é, obviamente, uma das atividades mais corriqueiras da natureza humana. As mulheres com quem ele dorme são mostradas nuas, mas McQueen mostra isso com a intenção de expor Brandon para o público. Isso não o torna vulnerável, mas  permite que o espectador a entenda o quão pouco tudo isso significa para ele.

O filme é pontuado por uma trilha sonora sinistra com cenas de Brandon andando de metrô e tendo relações sexuais, dando ao processo um ar ameaçador. Tudo é sexualizado para ele, desde como se masturba compulsivamente no banheiro no trabalho, ou em sua reação pavloviana a ver seios de uma mulher através da camisa. Mas nada disso tem algo a ver com desejo ou qualquer coisa parecida. Seu mundo é rude e perturbadoramente interrompido quando sua irmã, Sissy (Carey Mulligan), chega inesperadamente em seu apartamento uma noite. A relação de ambos é repleta de tensão, e mais irritantemente, com um erotismo subjacente, cheio de raiva. Seu comportamento em relação a ele está no limite do flerte, levando a momentos assustadores de raiva que emergem através do comportamento de uma forma equilibrada de Brandon. Mulligan injeta carência emocional em Sissy com uma sensibilidade alegre e impensada, apenas na medida certa para enfurecer Brandon, como se qualquer indício de uma conexão emocional real fosse demais para ele suportar. À medida em que ela tenta se inserir mais profundamente em sua vida, as coisas parecem destinadas a tragédia.

Shame é um filme eficaz, emocional e sedutor. McQueen é claramente um diretor hábil e capaz de conseguir desempenhos profundos dos atores e criar um cenário visual deslumbrante. Um filme como esse exige muito de seus atores em termos de se abertura fisica e emocional, mas McQueen e seu elenco acertam todas as notas certas em tom e sentimento.

Avaliação: ★★★★

Veja o trailer.

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O projeto está em desenvolvimento pela Imagine Entertainment, produtora de Ron Howard e Brian Grazer, e pela LBI Entertainment, pertencente à artista plástica Julie Yorn. Se o nome nada significa a você, saiba que trata-se da criadora do famoso pôster “Hope”, usado na campanha de Barack Obama para a presidência dos Estados Unidos, em 2008.

Ainda não há nomes cotados para a direção e o elenco do novo 1984. No momento os produtores estão em busca de roteiristas que possam atualizar a saga de Winston Smith, que trabalha alterando histórias para o Ministério da Verdade mas, em segredo, deseja uma rebelião que ponha abaixo o estado totalitário vigente.

A última adaptação do livro de Orwell para os cinemas foi 1984, dirigido por Michael Radford e estrelado por John Hurt e Richard Burton.

John Carter conta a história de um ex-soldado confederado procurando sua própria fortuna enquanto dribla as forças da União que tenta recrutar-lo de volta ao serviço. Depois de um impasse entre soldados e Apaches que acaba mal, Carter se esconde em uma caverna que contém não só a sua fortuna em ouro, mas também um MacGuffin capaz de levá-o instantaneamente para Barsoom (Marte). Lá, ele é um homem com super-poderes graças a menor gravidade do planeta e rapidamente torna-se envolvido em uma guerra planetária. Logo, John se vê levando Tharks gigantes para cima e para baixo, andando com um réptil-canino (que rouba a cena), e defendendo uma linda princesa dos perigos do casamento forçado.

Infelizmente, a divertida aventura descrita acima é entregue apenas de forma intermitente. A produção visual dos colaboradores Christopher Nolan e Nathan Crowley, são de primeira, incorporando de forma inteligente um maravilhoso estilo retrô-futuro em ambientes, veículos e diversos aparelhos. Mas de alguma forma, o roteiro, co-escrito por Michael Chabon (As Incríveis Aventuras de Cavalier e Clay, bem como o roteiro do excelente Homem-Aranha 2), apresenta uma complicada mistura de elementos díspares dos vários livros de John Carter, criando uma confusão do que poderia ter sido alegre e divertida. A ambição do estúdio em transformar John Carter em uma franquia é óbvia e esperada, então por que os cineastas sobrecarregaram tanto esta produção a ponto de transfomar tudo em uma miscelânea sem sentido?

Preocupado, talvez, que as platéias contemporâneas achaem impossível serem arrebatados para as façanhas decididamente antiquadas e ultrapassadas e pela adorável conceituação da astrologia, o enredo de altura enquadrada no equivoco total, com o jovem Carter e participando de um “mistério” que  em primeiro lugar não é realmente necessário.

Taylor Kitsch traz um certo efeito “James Franco-encontra-Sam Worthington”, processo que fica exatamente no nível superficial desse tipo de filme, mas a química na tela entre John Carter e a Princesa Dejah Thoris (Lynn Collins) falaha em todos os níveis possíveis. Enquanto isso, atores excelentes como West Domenic e Bryan Cranston são enterrados sob pilhas de diálogos redundantes ou simplesmente deixados para apodrecer (literalmente). Significativamente, os melhores desempenhos pertencem à coleção de animais fantásticos e  das convincentes criaturas alienígenas em CG.

É tentador acreditar que um fio de ficção científica existe em John Carter, da mesma forma com que os estúdios tendem a acreditar que o dinheiro resolve tudo,  ou a audiência tende a acreditar que este pode ser um filme profundo. Mas o mais provável, é que Andrew Stanton simplesmente não estava pronto para dar o salto das animações para os super-orçamentos dos “live action“. Enquanto seu colega da Pixar, Brad Bird teve relativo sucesso com a transição ao dirigir sua sequencia de Missão: Impossível, aqui pode-se observar Stanton, um cineasta de talento considerável, talvez querendo fazer de seu próximo projeto, uma produção menor, algo menos alienígena aos seus próprios padrões de qualidade.

Avaliação: ★★

Veja o trailer de John Carter: Entre Dois Mundos

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Criado em 1996 pelo crítico Amir Labaki, o festival tem exibido anualmente cerca de uma centena de obras não-ficcionais brasileiras e internacionais, entre lançamentos e clássicos, simultaneamente em São Paulo e no Rio de Janeiro.
“Poucas edições foram tão marcadas pela pluralidade dos registros no documentário”, afirma Labaki. “Do filme-diário ao afresco planetário, da revisita ao passado íntimo ao exame da atual conjuntura sócio-econômica mundial, o arco é amplo e fascinante”.

Veja abaixo a programação completa do festival:

ABERTURA SÃO PAULO

Tropicália

Dir: Marcelo Machado

ABERTURA RIO DE JANEIRO

Jorge Mautner – O Filho do Holocausto

Dir: Pedro Bial, Heitor D`Alincourt

COMPETIÇÃO INTERNACIONAL – LONGAS

½ Revolução
Dir. Omar Shargawi e Karin El Hakim

Barulho
Dir. Dan Geva e Noit Geva

Calafate, Zoológicos Humanos
Dir. Hans Mulchi

China Peso-Pesado
Dir. Yung Chang

Cinco Câmeras Quebradas
Dir. Emad Bornat e Guy Davidi

Com Amor, Carolyn
Dir. Maria Ramstrom e Malin Korkeasalo

É na Terra Não é na Lua
Dir. Gonçalo Tocha

O Beijo de Putin
Dir. Lise Birk Pedersen

O Emprego
Dir. Didier Cros

O Homem que Ninguém Conheceu
Dir. Carl Colby

Planeta Caracol
Dir. Seung – Jun Yi

Tonia e Seus Filhos
Dir. Marcel Lozinski

COMPETIÇÃO INTERNACIONAL – CURTAS

3 Dias de Liberdade
Dir. Lukasz Borowski

A Morte Está no Campo
Dir. Chappatte

Descarrilamentos
Dir. Chelsea McMullan

Encontro com Papai Kasper Cartola
Dir. Lea Glob

Osso Vento Fogo
Dir. Jill Sharpe

Pescaria com Vovó
Dir. Wing Yan Lilian Fu

Queremos Explodir o Vasa
Dir. Simon Moser e Idji Maciel

Tilman no Paraiso
Dir. Julian Vogel

Vovós
Dir. Afarin Eghbal

RETROSPECTIVA INTERNACIONAL

A Televisão e Eu
Dir. Andrés di Tella

Fotografias
Dir. Andrés di Tella

Golpes de Machado
Dir. Andrés di Tella

Macedonio Fernández
Dir. Andrés di Tella

Montoneros, Uma História
Dir. Andrés di Tella

O País do Diabo
Dir. Andrés di Tella

Proibido
Dir. Andrés di Tella

Reconstituição do Crime da Modelo
Dir. Andrés di Tella

COMPETIÇÃO BRASILEIRA – LONGAS

Coração do Brasil
Dir. Daniel Solá Santiago

Cuíca de Santo Amaro
Dir. Joel de Almeida e Josias Pires

Dino Cazzola – Uma Filmografia de Brasília
Dir. Andréa Prates e Cleisson Vidal

Mr. Sganzerla – Os Signos da Luz
Dir. Joel Pizzini

Os Irmãos Roberto
Dir. Ivana Mendes e Tiago Arakilian

Paralelo 10
Dir. Silvio Da-Rin

Tokiori – Dobras do Tempo
Dir. Paulo Pastorelo

COMPETIÇÃO BRASILEIRA – CURTAS

Barbara em Cena
Dir. Ellen Ferreira

Barbeiros
Dir. Luiz Ferraz e Guilherme Aguilar

Capela
Dir. Gustavo Rosa de Moura

A Cidade
Dir. Liliana Sulzbach

Entre lá e cá
Dir. Heloisa Passos

A Galinha Que Burlou O Sistema
Dir. Quico Meirelles

Limbo
Dir. Cao Guimarães

Piove, Il Film Di Pio
Dir. Thiago Brandimarte Mendonça

Ser Tão Cinzento
Dir. Henrique Dantas

RETROSPECTIVA BRASILEIRA

Cabra Marcado para Morrer
Dir. Eduardo Coutinho

Coutinho Repórter
Dir. Rená Tardin

Crônica de um Verão
Dir. Jean Rouch e Edgar Morin

Exu, Uma Tragédia Sertaneja
Dir. Eduardo Coutinho

O Pistoleiro de Serra Talhada
Dir. Eduardo Coutinho

Seis Dias de Ouricuri
Dir. Eduardo Coutinho

Theodorico, O Imperador do Sertão
Dir. Eduardo Coutinho

PROGRAMAS ESPECIAIS

Amargas Sementes
Dir. Micha X. Peled

Ao Abismo, Um Conto de Morte, Um Conto de Vida
Dir. Werner Herzog

Augusto Boal e o Teatro do Oprimido
Dir. Zelito Viana

Carrière 250 Metros
Dir. Juan Carlos Rulfo

Consideração do Poema
Dir. Gustavo Rosa de Moura, Eucanaã Ferraz e Flávio Rosa de Moura

Crazy Horse
Dir. Frederick Wiseman

Duch, O Mestre das Forjas do Inferno
Dir. Rithy Panh

Ricky Sobre Leacock
Dir. Jane Weiner

Santos, 100 Anos de Futebol Arte
Dir. Lina Chamie

Vivam os Antípodas!
Dir. Victor Kossakovsky

Xaréu – Memórias do Arraial
Dir. Patrícia Ramos Pinto

O ESTADO DAS COISAS

Cartas para Angola
Dir. Coraci Ruiz e Julio Matos

Crise
Dir. Nina Maria Paschalidou e Nikos Katsaounis

Da Maré
Dir. Annie Eastman

Domingo em Brazzaville
Dir. Enric Bach e Adrià Monés

Jardins Lawnswood
Dir. Pawel Kuczynski

Shoot Yourself
Dir. Paula Alzugaray e Ricardo Van Steen

Trabalhe Muito Aposte Alto
Dir. Carmen Losmann

FOCO LATINO-AMERICANO

Em Busca da Alma
Dir. Mario Bomheker

O Céu Aberto
Dir. Everardo González

O Cultivo da Flor Invisível
Dir. Juan Alvarez Neme

O Huaso
Dir. Carlo Guillermo Proto

Os Arquivos
Dir. Maite Rivera Carbonell

PROJEÇÃO ESPECIAL

Light Up Nippon – A um Ano do Terremoto Japonês
Dir. Kensaku Kakimoto

Salvando a Face
Dir. Daniel Junge e Sharmeen Obaid Chinoy

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas divulgou na noite de domingo (26/02) em Los Angeles (EUA) os ganhadores do Oscar 2012.

Confira abaixo a lista completa dos ganhadores do Oscar:

MELHOR FILME
O Artista

MELHOR DIRETOR
Michel Hazanavicius – O Artista

MELHOR ATOR
Jean Dujardin – O Artista

MELHOR ATRIZ
Meryl Streep – A Dama de Ferro

MELHOR ATOR COADJUVANTE
Christopher Plummer – Toda Forma de Amor

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Octavia Spencer – Histórias Cruzadas

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL
Meia Noite em Paris

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO
Os Descendentes

MELHOR FILME ESTRANGEIRO
A Separação (Irã)

MELHOR LONGA DE ANIMAÇÃO
Rango

MELHOR DOCUMENTÁRIO
Undefeated

MELHOR TRILHA SONORA
O Artista

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL
“Man or Muppet” – Os Muppets

MELHOR EDIÇÃO
Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres

MELHOR FOTOGRAFIA
A Invenção de Hugo Cabret

MELHOR MIXAGEM DE SOM
A Invenção de Hugo Cabret

MELHOR EDIÇÃO DE SOM
A Invenção de Hugo Cabret

MELHOR FIGURINO
O Artista

MELHOR MAQUIAGEM
A Dama de Ferro

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE
A Invenção de Hugo Cabret

MELHORES EFEITOS ESPECIAIS
A Invenção de Hugo Cabret

MELHOR CURTA
The Shore

MELHOR CURTA DE ANIMAÇÃO
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

MELHOR CURTA DE DOCUMENTÁRIO
Saving Face

Com um material tão grande (talvez até demais), é lamentável que a condução do filme não se pareça com uma típica obra de Scorscese. Como um diretor conhecido por contar histórias complexas com personagens entrelaçados e de passados ​​e presentes distintos, A Invenção de Hugo Cabret é, inegavelmente, feito à imagem de Scorsese. No entanto, esses personagens e enredos que tão frequentemente o diretor reuniu com um senso de urgência e destino inevitável (Os Infiltrados e Gangues de Nova York, por exemplo), aqui, estão mais ligados casualmente em um filmezinho família. A Invenção de Hugo Cabret é uma história sobre o propósito artístico de um cineasta cujos melhores filmes estão ligados ao destino. Se essas preocupações fossem melhor transmitidas no filme, poderia-se ter obtido um resultado com maior relação entre personagens, ao invés de um que vagamente os conecta para fins duvidosos.

O filme de Scorsese arrisca ser oprimido por seus próprios temas e mensagens. Muito empenhado em mostrar ao espectador que “o tempo é tudo” (e que a arte é também, e que a perda de um ou de ambos é uma das maiores tragédias da vida), e mesmo assim não se comopromete o suficiente para construir uma história perfeita. Alguém pode até argumentar que, em uma tentativa de vincular o personagem de Hugo Cabret ao cineasta Georges Méliès, o filme busca as alturas. Tais alturas poderiam ter sido alcançadas, mas com muito mais cuidado com o filme em si e não para a história (e histórias) que constroem o filme.

Como conseqüência, o enredo baseado historicamente em torno Georges Méliès (o Pai da narrativa cinematográfica) é, de fato, o mais prolífico. Nas cenas mostrando trechos reais de grandes obras Méliès (incluindo Viagem à Lua e Reino das Fadas), o espectador é transportado de volta para o final de 1800, e o nascimento do filme é algo que ser tem o prazer de experimentar.

Não é de se surpreender, que o vencedor do Oscar Ben Kingsley se sai muito bem como Georges Méliès . O mal-assombrado e endurecido artista que virou comerciante, com seu gênio e dor palpáveis. Seu personagem, no entanto, alcança uma transformação, através dos esforços de Hugo e Isabelle, e ele redescobre o seu propósito e paixão pelo cinema. Os outros personagens també sofrem transformações semelhantes. como se descobrissem  suas próprias paixões: Hugo Cabret como mágico e relojoeiro, e Isabelle, como o escritora, que compartilha esse conto com o mundo. Mesmo o autômato torna-se um artista cuja obra é, na verdade, uma mensagem do pai de Hugo, que faz o garoto se encontrar.

Na conclusão do filme, Hugo faz uma defesa de que a arte do filme é como Méliès define-a invenção dos sonhos. (Inversamente ao nosso mundo contemporâneo, em que os sonhos são a invenção dos filmes.) Independentemente disso, como uma celebração da história do cinema, este filme é um sucesso. Na verdade, é um sucesso de realização visual, que é para o que as imagens em movimento foram originalmente criadas. Martin Scorsese fez um filme em 3D numa tentativa de mostar que a qualidade natural nos filmes que sempre existiu, mesmo antes deste 3D. Esta qualidade é a essência do filme, e é glorificado, e com razão, num tributo à arte cinematográfica e a arte em si.

Avaliação: ★★★

Veja o trailer.

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